Mario Crispi – Arenaria – Suono records – SR 003
E’ con grande piacere che vi segnalo questo album di Mario Crispi, con la speranza che non si alzi il solone di turno ad obiettare:”Ma questo non è jazz”. E chi se ne frega: si tratta di un disco di notevole livello, originale, denso di idee, ottimamente strutturato ed altrettanto ben eseguito che credo anche gli appassionati di jazz gradiranno non poco.
Mario Crispi è musicista ben noto essendo stato, tra l’altro, fondatore degli Agricantus, uno dei migliori gruppi della world music italiana. Musicista “onnivoro” nel senso migliore del termine, Crispi ha viaggiato in lungo e in largo per il mondo sedimentando una serie di conoscenze che lo portano ad una concezione della musica “aperta”, insofferente di qualsivoglia schematismo od etichetta.
E questo album ne è la riprova: Mario parte dalla sua terra, da quella Sicilia così ricca di mistero e di fascino, per innervare la sua musica con una serie di stimoli che provengono da mondi e situazioni i più diversi tra loro. Ad unificarli c’è la grande sagacia del musicista che per raggiungere i suoi obiettivi di immediatezza e reale sincerità espressiva ha usato tecniche compositive, interpretative e di registrazione affatto inusuali.
Innanzitutto le registrazioni sono state effettuate con uno studio portatile in giro per la Sicilia in luoghi di particolare interesse acustico ed evocativo come “le grotte della Gurfah di Alia” (meglio conosciute in loco come le grotte saracene) , “la tomba del Principe” a Sant’Angelo Muxaro del VII secolo A.C. o ancora il celebre mercato ittico di Palermo.
Per quanto concerne le tecniche compositive ed interpretative, Crispi si rifà ad alcuni stilemi propri della tradizione orale della Sicilia occidentale come il “canto alla carrettiera” e soprattutto quel “cunto palermitano” che si utilizzava per narrare le gesta dei paladini di Francia: nell’album viene riscoperto per il brano “Cuntu ri Guerra” che descrive, con grande intensità emotiva, un quotidiano fatto di guerra e di fuga; alla perfetta riuscita del brano contribuisce non poco l’improvvisazione al pianoforte di Salvatore Bonafede, altro straordinario musicista (jazz) siciliano che non ha ancora ottenuto i riconoscimenti che gli spettano.
E così ogni brano meriterebbe una citazione per i significati che racchiude, le storie che racconta. Ma forse è meglio fermarsi qui e lasciare all’ascoltatore il gusto avvincente della scoperta.

Lanfranco Malaguti – Double Face – Splasc (H) CDH 1542.2
Devo confessare che il primo ascolto di questo album mi ha spiazzato non poco. Sono da anni che seguo con interesse Malaguti considerandolo uno dei migliori chitarristi europei ed uno dei musicisti di punta del jazz italiano.
Di qui la presunzione di conoscerlo così bene da quasi prevedere la musica che presenta; ed invece noto, con estremo piacere, di essermi sbagliato: Lanfranco è riuscito a stupirmi ancora una volta con un lavoro che si differenzia notevolmente da tutti quelli compiuti in precedenza.
Il fatto è che il chitarrista non ama riposare sui classici allori e preferisce proseguire la strada di una ricerca, lunga, faticosa ma che lo porta a raggiungere sempre nuovi traguardi.
Questa volta , anziché misurarsi sui tanto amati “standards” o su canzoni del grande repertorio pop, Lanfranco ha deciso di presentare ben 13 sue composizioni (per altro di eccelsa levatura) accompagnate da due brani assai noti come “You are the sunshine of my life” di Stevie Wonder e “Solar” di Miles Davis.
Per tutta la durata dell’album Lanfranco si confronta con i compagni d’avventura in diversi contesti ma sempre con un fraseggio che sembra non avere più alcuna preoccupazione per librarsi deciso come a mettere a frutto anni e anni di studio, di esperienze, di sperimentazione. E così alle volte si ha quasi l’impressione di ascoltare stilemi free, che certo non ti aspetti da un musicista come Lanfranco. Ma, proseguendo nell’ascolto, ti accorgi che nulla è casuale, che ogni tassello sta proprio lì dove Malaguti vuole che sia. Ed in questo senso il chitarrista non poteva trovare partners migliori di Renzo De Rossi al sax tenore e baritono, Federico Malaman al contrabbasso e Luca Colussi alla batteria e percussioni, tutti perfettamente in grado di seguire e alle volte sviluppare gli impulsi del leader.

Dado Moroni – Solo Dado – abeat AB JZ 069
Grande ricchezza armonica, gusto raffinato, delicatezza di tocco che si trasforma in energia quando occorre, chiara visione delle strutture musicali, originalità di fraseggio: sono queste alcune delle doti di Dado Moroni, di sicuro uno dei migliori pianisti che oggi calchino le scene internazionali.
Dopo circa 30 anni di carriera che lo hanno visto protagonista di innumerevoli concerti in ogni parte del mondo, ed una trentina di album, giunto nel pieno della maturità artistica, Dado ha deciso di incidere il suo primo album per piano solo ed è stata una scelta assai felice.
Il risultato, come potrete facilmente constatare, è di assoluta eccellenza sia per il repertorio sia per le modalità esecutive.
Moroni si è buttato in questa operazione anima e corpo, così non si è limitato ad inserire ben sei sue composizioni su un totale di dodici, ma ha anche scritto le note di copertina e ha curato la grafica dell’album .
E proprio dalle note di copertina apprendiamo che l’album è nato quasi per caso, dall’incontro , in uno studio di registrazione con un pianoforte “un magnifico Yamaha C7….passarono alcuni minuti – ricorda Dado - e ottenni la take che desideravo. Era fatta…ma qualcosa mi trattene al pianoforte. Suonai per una buona mezz’ora tutto ciò che mi passava per la testa, lentamente rendendomi conto che sarebbe potuto nascere un CD intero in piano solo”.
Ed eccolo, per l’appunto, il CD per piano solo che rappresenta una sorta di summa di quel che oggi è Dado Moroni, un musicista pienamente realizzato, perfettamente consapevole dei propri mezzi espressivi, che può permettersi di suonare qualcosa di suo accanto a perle del “Great American Songbook” (tanto per usare una sua stessa espressione) quali “Don’t blame me” di Mc Hugh-Fields o “My funny Valentine” di Rodgers – Hart o ancora “It could happen tou you” di Van Heusen.

Norberto Tamburrino – Reflection(s) on Monk – Philology W436.2
Ecco un altro pregevole album del pianista e compositore tarantino Norberto Tamburrino. Già nel segnalarvi il precedente lavoro di questo artista (““Prigioniero del mare – Prisoner of the sea”) ne avevamo sottolineato i molteplici pregi che vengono viepiù evidenziati da questo CD evidentemente dedicato alla musica di Monk.
Prendere come punto di riferimento la musica di Thelonious è una sfida ardua per chiunque data la complessità insita nella musica di questo straordinario pianista. Norberto, a mio avviso, l’ha fatto nel miglior modo possibile, vale a dire cercando di penetrare nello spirito della musica monkiana senza alcuna pretesa di interpretarla in modo canonico ma utilizzandola coma una sorta di piattaforma da cui muoversi per andare ad esplorare nuovi territori.
Di qui un pianismo ora meditativo, ora dalle tessiture armoniche più complesse, ora esplicitamente aperto verso forme espressive per lui non usuali quali il free e il latin-jazz, sempre comunque con grande coerenza e padronanza tecnica a dimostrazione di una personalità oramai matura e perfettamente consapevole delle proprie possibilità. Non a caso , indipendentemente dai contesti in cui si muove (quartetto, trio, duo) l’intesa con i compagni di viaggio appare assolutamente perfetta, sia quando si affrontano passaggi strutturati sia quando ci si avventura nel campo sempre minato dell’improvvisazione. In quest’ultimo caso grande ancora una volta la prestazione di J. D. Allen al sax tenore con il bassista Joseph Lepore (sostituito in un brano da Francesco Mariella) e il batterista Bruce Cox impegnati a sostenere il tutto con un gioco ritmico armonico di grande raffinatezza.
Da segnalare, infine, che ben sette composizioni sulle nove presenti nel CD sono dovute alla fertile penna di Tamburrino e nessuna di queste risulta banale o scontata…e scusate se è poco quando già nel titolo si “denuncia” l’intento di rifarsi alla musica di Monk!

Dopo un altro concerto in Italia (allo Straf di Milano), Lorenzo Bertocchini è partito per il suo nuovo tour negli USA.

E’ la quinta volta che attraversa l’Atlantico con una chitarra e un’armonica. Ma questa volta sono con lui anche due dei compagni d'avventura negli Apple Pirates: Alessandro Talamona (chitarra e cori) e Marco Negrelli (basso e cori).
Previsti nove concerti a New York City e nel Maryland, nella Pennsylvania, nell’Ohio e nel New Jersey.

Intanto segnaliamo che è stato appena pubblicato un nuovo CD! Si chiama “UNCERTAIN, TEXAS” .Contiene 15 canzoni che parlano d’amore, d’amore finito, di autostop, di grandi bevute, di castelli medievali, di lavatrici, di banditi italiani, di autostrade americane e di molto altro ancora.

“Alcune sono tirate, altre delicate, alcune amare, altre dolci, alcune realistiche, altre senza senso. Tutte sono sincere...” assicurano i responsabili del progetto. Molti personaggi s’incontrano in questo album: Elvis, Doctor House, Valentino Rossi, Jesus, Amy Winehouse, Robert De Niro, Gennaro Gattuso, Tom Waits, Unlce Fester, il Dalai Lama, Spike Lee, Bob Dylan e Barrack Obama, solo per citarne alcuni.

Vittorio Gennari – “Melodies” – Red Records 123317-2
Una scommessa vinta quella di Sergio Veschi e della Red Records di puntare su questo straordinario personaggio che sta raggiungendo la notorietà a 76 anni. In effetti, dopo il grande successo del primo album , “The sound”, che ha venduto circa 2000 copie ,risultato clamoroso per un disco di jazz di un musicista sconosciuto, eccoci a riparlare di Vittorio Gennari e del suo ultimo lavoro “Melodies”.
L’ altosassofonista di Pesaro è accompagnato dagli oramai soliti compagni d’avventura, vale a dire Roberto Bahi piano, Massimo Tonelli basso e Joe Pagnoni batteria e si muove lungo quelle coordinate stilistiche che abbiamo imparato a conoscere, vale a dire una sorta di moderno mainstream sorretto da una eccellente tecnica, da una voce strumentale elegante ed originale, da un profondo interplay e dalla scelta accurata di un bel repertorio.
Grazie a queste doti, Gennari riesce ad esprimersi ad altissimi livelli comunicando tutto il suo essere musicista che non ama la routine e che riesce a suscitare emozioni proprio perché è lui stesso il primo ad emozionarsi ancora quando suona. E per rendersene conto basta ascoltare brani celeberrimi come “Besame mucho” , “Lonely woman” o “Time after time” che con l’interpretazione di Gennari assumono nuova veste.
Adesso sembra che di queste doti di Gennari ci si sia accorti anche al di fuori del circuito prettamente jazzistico. Così il sassofonista si trova, inopinatamente, ad essere oggetto d'attenzioni da parte di iTunes Italia che lo ha inserito nella sua Home Page dell’ultima settimana d’aprile. Certo faceva una certa impressione vedere il nome di Vittorio Gennari accanto a quelli di Eminem, Ramazzotti, I Nomadi, etc. che con la sua storia e la sua musica c'entrano ben poco.
L'iniziativa è stata promossa dal distributore On Line - Believe - che ha deciso di puntare su alcuni brani che hanno dato degli ottimi risultati in downloading come "In cerca di te",una canzone popolare in Italia negli anni 40/50 composta dall'allora direttore di Musica Jazz Giancarlo Testoni, “Nostalgia in Times Square” di Mingus e “Bachi's Blues” del pianista del gruppo Roberto Bachi, tutti ovviamente tratti dal primo album di Gennari.
Continua...

Gino Castaldo – “Il buio, il fuoco, il desiderio” – Einaudi – pgg.155 - € 11,50
Volume sicuramente interessante e stimolante, anche se non del tutto condivisibile, questo “Il buio, il fuoco, il desiderio” di Gino Castaldo.
Ricco di citazioni, dotti riferimenti, collegamenti arditi ma pertinenti, il libro si presta a diverse chiavi di lettura.
Sul piano squisitamente stilistico, la prosa è avvincente, dotta, non priva di terminologia ricercata, segno evidente della eccellente preparazione dell’autore, cosa che non stupisce chi segue seppure distrattamente le vicende musicali del nostro Paese.
Egualmente non stupisce il nesso che l’autore riesce a trovare tra i diversi generi musicali a conferma di una cultura musicale ampia ed esaustiva.
E così la lettura scorre rapida, piacevole, a tratti addirittura entusiasmante dalla prima all’ultima pagina…solo che giunti alla fine, ci si pone fatalmente qualche domanda: entro quali limiti è condivisibile la tesi di Castaldo secondo cui la musica è morta?
Secondo l’autore, in effetti, mentre il mondo è in qualche modo andato avanti, si è globalizzato, la musica non si è evoluta, è un organismo oramai agonizzante non essendo riuscita ad interpretare validamente la realtà odierna cosicché il nostro tempo non ha ancora la sua colonna sonora.
Insomma siamo all’ennesimo grido di dolore, all’ennesimo intellettuale che si iscrive alla oramai interminabile lista dei catastrofisti. E , conseguentemente, non può mancare l’indicazione del colpevole, di quell’elemento cui si attribuiscono oramai tutto i mali del mondo: IL MERCATO. L’intuizione di Huxley - scrive Castaldo – “su un mondo dove la dittatura, invincibile, è data dal benessere artificiale, si è dimostrata esatta…Nessuna dittatura esplicita può durare a tempo indeterminato, Quella del piacere sì, la droga del mercato libero non sembra avere in sé i germi della sua autodistruzione. Ma il prezzo da pagare è il sonno della coscienza”.
Ora, a parte l’ovvia considerazione che nella storia della musica, eccezion fatta per la musica popolare, i tanti capolavori non sono nati certi dallo splendido isolamento dell’artista quanto, spesso, dal prestare lo stesso la sua opera al servizio del potente di turno, quale sarebbe,oggi, il contesto socio-economico ideale per lo sviluppo della musica ? Castaldo forse lo lascia intuire ma non lo indica…e bene fa in quanto a nostro avviso è un problema che non contiene risposte accettabili se non quelle guidate dal pregiudizio e da tesi preconfezionate.
C’è, infine, un’ultima riflessione: ma Gino Castaldo non è forse quello stesso Castaldo che da tanti anni fa parte di una delle corazzate del giornalismo europeo, di uno dei quotidiani più influenti e non solo a livello nazionale? Ebbene , da una così importante e potente struttura “culturale”, cosa ha fatto Castaldo perché ciò che denuncia non accadesse?

Laura Pigozzi – “A nuda voce” – Antigone edizioni – pgg.234 - € 16,00
Per chi si occupa di musica l’importanza della voce è cosa assolutamente scontata, ma, ne siamo certi, ben pochi si saranno soffermati su cosa la voce significhi nel vissuto di ciascuno di noi, di quanto e di come la nostra voce ci rappresenti nel rapporto prima di tutto con noi stessi e poi con gli altri.
Di questa affascinante tematica si occupa Laura Pigozzi in questo volume che si raccomanda ad una lettura attenta e curiosa.
Esponente del Movimento Psicanalitico “Nodi Freudiani” e lei stessa cantante di jazz, la Pigozzi esplora con dovizia di particolari temi come l’ascolto, il timbro, il ritmo, l’intonazione, l’improvvisazione jazzistica, il tutto rivisitato alla luce di una chiave psicoanalitica che schiude orizzonti di un interesse inaspettato.
Ad esempio di estremo interesse è tutta quella parte del volume in cui l’Autrice spiega come la voce sia in realtà una sorta di impronta indelebile che pur non appartenendoci del tutto delinea tuttavia la nostra personalità. Di qui l’importanza, proprio nella strutturazione del nostro essere, delle voci materne e paterne dal momento che sono proprio queste ad inserire “precocissimamente il bambino in un ordine che non è solo naturale ma anche affettivo e culturale, fondato sulla tonalità delle modulazioni vocali e sull’accento linguistico del gruppo culturale di cui i genitori fanno parte”.
Altrettanto stimolanti le numerose pagine dedicate al perché della balbuzie, del silenzio degli autistici, al rapporto tra voce e godimento femminile, godimento “altro” , supplementare rispetto a quello fallico, maschile.
E così, leggendo le teorie della Pigozzi, si scoprono verità spesso solo intuite ma cui , non avendo a disposizione gli strumenti adatti , era sostanzialmente impossibile fornire logiche spiegazioni.
Insomma ,una tantum, un volume davvero interessante in quanto ci conduce per mano ad un mondo a noi vicinissimo ma spesso del tutto sconosciuto.

Cyminology – “As Ney” - Ecm 2084
La carismatica vocalist tedesca di origini iraniane Cymin Samawatie è a capo di questo quartetto che fa il suo debutto su ECM.
Si tratta di una formazione multietnica dal momento che, oltre alla cantante, ne fanno parte il pianista francese Benedikt Jahnel, il contrabbassista tedesco Ralf Schwarz e il batterista e percussionista indiano Ketan Bhatti.
Comunque a dettare le atmosfere del tutto originali dell’esecuzione è la Samawatie che non si è limitata a scrivere quasi tutta la musica e buona parte dei testi in concomitanza con la poetessa Forough Farrokhäz, ma ha deciso anche di cantare in farsi. Così la melodia e la tessitura proprie della lingua persiana esercitano una sottile presa sulle modalità espressive del quartetto che riesce a bilanciare assai bene parti scritte e improvvisazione.
Sottolineate le non poche qualità del gruppo, resta da dire che alla fine dell’ascolto si rimane quasi in attesa di qualcosa che purtroppo non arriva, come se – in altri termini – Samawatie e compagni non fossero stati in grado di esprimersi compiutamente.

Keith Jarrett – “Yesterdays” – Ecm 2060
Se non andiamo errati, questo dovrebbe essere il ventesimo disco del trio di Jarrett, Peacock e De Johnette inciso nell’aprile del 2001, stesso mese di “Always Let Me Go”e stesso anno di “The Out-of-Towners” e “My Foolish Heart”.
Ciò premesso, bisogna immediatamente aggiungere che anche quest’album si iscrive nell’oramai lunga lista di capolavori firmata Jarrett & C. Ancora una volta “il Trio delle meraviglie” riesce ad esprimersi su livelli di assoluta eccellenza evidenziando quelle doti che ne hanno fatto una delle migliori formazioni della storia del jazz, vale a dire uno straordinario interplay, un raffinato gusto melodico-armonico, la capacità di swingare in totale rilassatezza, per l’evidente gioia di chi suona e di chi ascolta.
Il repertorio, come al solito, comprende celebrati standard tra cui “Scrapple from the Apple” di Parker, “Shaw’nuff” di Gillespie, “Strollin’” di Horace Silver tratti dal repertorio bop, due ballad di Jerome Kern (“Yesterdays” e “Smoke Gets In Your Eyes”), e una sorta di regalo finale costituito da “Stella by Starlight” registrato durante il soundcheck, quindi senza pubblico, con i commenti dei musicisti colti al volo.

Ray Gelato – “Salutes the great entertaines” – DSRG 06
di Daniela Floris
Se e’ vero, come e’ vero, che la musica ha valenze multiformi a secondo del tipo di fruizione e/o allo scopo alla quale tende, e’ anche vero che giudicare la qualità di un lavoro musicale ha senso solo se si scardinano, preventivamente, valori “assoluti” ai quali la si vorrebbe, istintivamente, paragonare.
E’ una premessa fondamentale questa per capire e alla fine, apprezzare questo cd: l’ appassionato di jazz, e di swing, infatti lo deve inquadrare (e d’ altronde il titolo stesso e’ esplicito) nell’ intrattenimento puro: divertente, coinvolgente, “ballereccio”. Rimossa la tentazione di cercare l’ ispirazione, la novità, la benché minima sperimentazione, ci si rilassa e si ascolta piacevolmente uno swing di bella fattura, con tutte le caratteristiche delle big band che ben conosciamo (un po’ di Cab Calloway, un po’ di Benny Goodman, e via dicendo), applicate anche agli unici due pezzi originali presenti nel cd, che per il resto e’ fatto di esecuzioni di brani notissimi quali “Night and Day” o “Flyin’ Home” . Gli ingredienti ci sono tutti: il “walkin’ bass”, le entrate dei fiati sincopate sul secondo e terzo tempo della battuta, gli “stop time”, la batteria swingante , la voce molto “italoamericana” , un po’ melodica alla “Dean Martin” , un po’ gradevolmente spaccona, le dinamiche dei fiati da manuale della perfetta brass band. Che si balli e che ci si diverta, dunque, con buona musica, perché questo e’ il fine di questo “new swing”, anche se di nuovo non si trova molto: ma alla fine, date le premesse evidenziate prima, non importa.
L’ unica considerazione aggiuntiva da fare è che, se è vera l’ ammirazione che nutre Ray Gelato (inglese figlio di italoamericano) per il nostro Fred Buscaglione, si è costretti a notare che manca nel primo quella creatività ironica del secondo, che con lo swing, tanto amato, giocava più che replicarlo, in maniera meno reverenziale ma forse anche meno pedissequa.

Angelo Adamo – “My foolish harp” – Red Records 123314-2
di Daniela Floris
Il risultato di un lavoro artistico dipende molto probabilmente dal rapporto che si crea tra l’ artista e colui che quel lavoro ascolta. Se l’ artista decide di abbandonarsi alla musica che ama, senza porsi il problema di stupire, di essere ingegneristicamente nuovo, spesso accade che si rimanga stupiti da un’ originalità vera e per nulla ingegneristica ne’ composta da trovate giustapposte che hanno un fine “altro” da quello realmente artistico e musicale: che non e’ solo estetico, ma espressivo di emozioni, o sentimenti, in quanto linguaggio.
Questa “sincerità” artistica sembra emergere in questo bel cd di Angelo Adamo: chi ascolta, solo per poco si adagia piacevolmente in quella tranquillizzante sensazione del bello a lui noto. Perché poi viene sorpreso dal dialogo tra la elegante tromba di Bosso (sempre più bravo) e l’ armonica cromatica di Adamo, che fraseggia in un mood trombettistico in “Bel Bottom”; oppure dalla sonorità inconsueta della stessa armonica nel registro basso in “My foolish heart” ; o dall’ affascinante, poiché quasi anacronistico in questo contesto jazzistico, suono puro del bass recorder di Gianluca Barbaro in “Apple Juice” e in “Blue in green” ( intimo e lirico anche per merito della chitarra di Di Leone); o dal blues “La mela di Carmela” , che consente di divertirsi improvvisando (con la batteria di Minetto che crea e non solo sottolinea) ; o anche dal solo di basso in “Nardis” di Bassi; o dalle due versioni, maschile e femminile di “My one and only love” in cui le voci di Arnesano e Geremicca sono raffinate ma intense; o dal sax soprano di Ottaviano in “Mizzy il gatto” che dialoga insieme all’ armonica con una divertente naturalezza in un ambito armonico indefinito, come se indefinito non fosse.
Per questo l’ armonica a bocca di Adamo sembra tutt’ altro che insensata o sciocca: il gioco di parole che da’ il titolo al suo cd si accetta solo se si suppone generato da un’ ammiccante civetteria.

Enrico Intra – “Liebman meets Intra” – Alfa Music AFMCD133
Ecco uno accanto all’altro due musicisti che, nei rispettivi ambiti, rappresentano punte di eccellenza: il sassofonista David Liebman è giustamente considerato uno dei massimi “specialisti” del sassofono soprano essendo stato uno dei non molti musicisti ad aver saputo interiorizzare talmente bene il linguaggio coltraniano da reinventarne uno proprio; dal canto suo il pianista Enrico Intra si è sempre distinto per la capacità di concepire il piano jazz in modo assolutamente originale, fedele ad una visione che mal sopporta la divisione in generi e rigidi schematismi.
Se a questi due talenti aggiungete un batterista e un bassista di classe quali Tony Arco e Marco Vaggi avrete una formazione di grande impatto che vi offrirà musica appassionante e mai scontata.
In effetti i due leaders duettano con grande empatia, misurandosi su un repertorio scritto totalmente da Intra e che Liebman mostra di apprezzare senza riserve. Così assistiamo ad un susseguirsi di situazioni mai ripetitive in cui i due evidenziano cosa possa significare , nella realtà di oggi, improvvisare guardando avanti senza rinnegare il passato.

Flora Faja – “Italian songs” – Revelation series 27 W440
di Daniela Floris
Quando una brava cantante decide, insieme a validissimi musicisti, di affrontare canzoni famose (in questo italiane) ci si aspetta di quelle una reinterpretazione anche personalissima, ma in una chiave a loro contestuale: o dal punto di vista di atmosfera, o dal punto di vista emozionale, o da quello della collocazione di quelle nel loro contesto storico, per poi discostarsene e in corso d’ opera rileggerle artisticamente. L’ operazione di Flora Faja, e di Giovanni Mazzarino e’ diversa. In questo caso si decontestualizza da subito il tema melodico originale, lo si estrapola dal suo contesto, e così come e’ lo si assurge a “valore assoluto” inserendolo in contesti armonici e ritmici completamente nuovi, moderni, ed “altri”. La reinterpretazione, la variante, e’ demandata al tessuto strumentale sottostante e circostante. Il compito della bella voce di Flora Faja e’ quello di tenere graniticamente in vita la melodia originaria, senza dare spazio all’ improvvisazione se non in maniera minima, facendosi forte a questo scopo di una vocalità dritta, sicura, con poco indugiare sulle dinamiche, che “resista” insomma, come una roccia contro la mareggiata, alle sollecitazioni modernissime dell’ arrangiamento.
Il risultato e’ un lavoro stilistico elegante, raffinato, anche nelle composizioni originali (“Il colore che non so” e “Primavera sarà, nonché i “raccordi” tra i vari brani); l’ apporto prezioso di Bosso e Cafiso e’ strettamente jazzistico, poiché, non dovendosi attenere al tema melodico ( presente nella voce e dunque non bisognoso di “doverose” reminiscenze) , improvvisano sul tessuto squisitamente strumentale ed armonico dell’ arrangiamento, che diventa una composizione “ex novo”.
E’ interessante notare come nel brano “la Gatta” in un certo senso si svolga un processo quasi inverso a quello sopra descritto. Curiosamente qui la decontestualizzazione melodica lascia spazio invece ad una contestualizzazione profonda del testo, che, nell’ originale di Paoli ha una componente “nostalgica” non corrispondente allo scanzonato giro armonico e ritmico che lo racchiude: l’ atmosfera poetica dunque diventa l’ ispirazione per una morbida “ballad” , che intona sorprendentemente le parti musicale e testuale.
Bravissimi tutti i musicisti, bello il tocco mediterraneo dato dalla fisarmonica di Mascellino in “Donna sei tu”, aggancio piacevole all’ origine di molti degli artisti impegnati in questo cd. Piace notare come, paradossalmente, questo lavoro riesca a prendere le distanze dall’ “italianita’” delle canzoni interessate mantenendo intatta proprio la parte melodica che le rendeva, a sua volta, inconfutabilmente molto “italiane”.

Guitto Gargle – “Guitto Gargle” – Nu Bop cd 06
Ecco un altro debutto discografico: i “Guitto Gargle” si sono costituiti nel 2006 a seguito dell’esperienza dei seminari di Sant’Anna Arresi e giungono al loro primo album grazie alla piccola ma valorosa Nu Bop Records di Achille Silipo.
Il gruppo è una sorta di “multi regionale italica” comprendendo una senese (Silvia Bolognesi al contrabbasso) , un veneziano (Piero Bittolo Bon sax, flauto e clarinetto), un cagliaritano (Simone Schirru chitarra) , un romano (Alberto Fiori pianoforte) e un palermitano (Simone Sfameli batteria).
Il quintetto si muove lungo direttrici non originalissime seppur coinvolgenti grazie da un lato alla preparazione tecnica dei singoli, dall’altro alla capacità compositiva di tutti e cinque i musicisti che propongono brani ben strutturati e altrettanto ben arrangiati in cui si intersecano le influenze più diverse, da Braxton a Steve Coleman fino al progressive rock. Il tutto filtrato da una eccellente capacità di portare ad unicum linguaggi così differenti.

AMATO JAZZ TRIO – “Time Pieces for Piano” – Abeat AB JZ 062
L’Amato Jazz Trio (Elio al piano e piano elettrico, Alberto al contrabbasso e Loris alla batteria) è da tempo una delle più belle realtà del nostro jazz. Non stupisce, quindi, che anche quest’ultimo CD sia di eccellente livello, supportato dalla solita empatia esistente fra i tre fratelli e da quell’indubbio gusto ed eleganza che da sempre contraddistinguono le loro produzioni.
I tre si muovono su piani paralleli nel senso che nessuno dei strumenti assume un ruolo di preminenza rispetto agli altri e così le parti continuano a scambiarsi , a dialogare in un gioco intenso, fitto di richiami in cui le qualità dei singoli emergono a tutto tondo: Elio si conferma pianista dal forte impatto e dal possente fraseggio percussivo nonché compositore di vaglia (tutti i brani sono suoi eccezion fatta per il “piazzolliano” Libertango che viene comunque arrangiato con grande personalità); Alberto sostiene con bella precisione il ritmo del gruppo anche quando imbraccia l’archetto a riprova di una tecnica sopraffina; Loris accompagna il tutto con grande coerenza senza mai strafare.
Difficile scegliere tra i brani anche se personalmente preferiamo “Train of Chagal” con Alberto particolarmente convincente e “Couperin”.

STEVE LACY – “Best Wishes” – Labirinti Sonori 005
Siamo a Siracusa, in provincia di Catania, il 12 agosto del 2001 ed è in corso di svolgimento il Festival organizzato da Stefano Maltese e Gioconda Cilio.
In programma un “solo” di Steve Lacy al soprano che per fortuna nostra e di quanti amano il jazz viene registrato ed ora presentato su disco.
Quasi inutile sottolineare come ancora una volta il sassofonista, scomparso cinque anni fa, si esprima su livelli di assoluta eccellenza da ogni punto di vista: di fraseggio con una padronanza strumentale che non teme confronti; di sonorità assolutamente personale e riconoscibile; di costruzione della frase sempre attenta e rigorosa; di ritmo; di personale coinvolgimento; di capacità comunicativa.
Il risultato è una piccola perla che va ad aggiungersi al già enorme scrigno riempito dalle performances di questo straordinario musicista che sicuramente ci avrà lasciato molte altre registrazioni che non aspettano altro se non di essere giustamente valorizzate.
Assolutamente inutile soffermarsi sul singolo brano:l’album va ascoltato dalla prima all’ultima nota e se non vi piace lasciate stare il jazz.

PREVITE-PETRELLA-SALIS -“Big guns” – Auand AU 9015
Questo album è l’ennesima conferma –se pur ce ne fosse bisogno – del prestigio internazionale di cui oramai gode Gianluca Petrella. In effetti il trombonista suona questa volta, oltre che con il “nostro” Antonello Salis, anche con uno dei migliori batteristi a livello internazionale , vale a dire quel Bobby Previte che nel suo palmares vanta collaborazioni di grande rilievo.
Ciò detto , va dato atto al produttore (cioè allo stesso Previte) di aver saputo mettere assieme tre artisti di questo spessore che trovano nell’improvvisazione il terreno ideale per esprimere tutte le proprie potenzialità. Di qui un susseguirsi di brani, tutti all’incirca di tre minuti, in cui non sembra esserci soluzione di continuità nel flusso creativo che sgorga dai vari strumenti, un flusso alle volte magmatico, altre volte più lineare ma sempre coerente con il discorso di fondo le cui redini sono saldamente in mano al batterista che con le sue pulsazioni detta i tempi delle sortite solistiche di Petrella e Salis.
E qualche parola la merita anche Antonello Salis che al piano, piano elettrico e organo si conferma solido strumentista in possesso di una fantasia creativa che lo porta ad essere spesso assolutamente originale.

PAOLO BIRRO – Sbàndio” – Alma 90-60-800
Un disco per piano solo è sempre una prova assai impegnativa e Paolo Birro la supera brillantemente grazie ad alcune sue qualità di fondo che sono, oltre ovviamente ad una squisita tecnica strumentale, un gusto raffinato ed un eloquio elegante e raffinato.
Paolo ha preparato per l’occasione un repertorio composto tutto da suoi brani che pescano da un lato nella consolidata letteratura jazzistica, dall’altro nella cultura veneta.
E a quest’ultima fa riferimento la suite che da il titolo all’album, vale a dire un assieme di sei brani di cui i primi tre recano, non a caso, un titolo in dialetto veneto. Birro improvvisa a piacimento su temi tratti dalla tradizione delle sue terre con grande freschezza improvvisativa che gli consente di offrire all’ascoltatore situazioni sempre nuove e coinvolgenti.
E questa sensazione si avverte durante l’ascolto dell’intero album che evidenzia, appieno, tutte le sfaccettature compositive della variegata personalità di Birro il quale ha così fornito quella prova di compiuta maturità che forse gli mancava .

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CLAUDIO SESSA – “L’età del jazz. I contemporanei” (Il Saggiatore, pagg.288, € 23,00)
La letteratura in campo jazzistico si fa sempre più ricca: oramai non si contano i contributi che man mano vengono pubblicati facendo ampia luce sia su determinati periodi sia su certi artisti, naturalmente i più celebrati (per esempio in questa stessa rubrica recensiamo anche uno splendido volume su Count Basie).
Ma se dall’ieri si passa all’oggi le cose cambiano e in modo radicale: quali sono le tendenze più interessanti che attualmente si riscontrano nel mondo del jazz? Quali gli artisti di oggi che veramente meritano un riconoscimento al di là di un successo che per alcuni arriva fin troppo facilmente e par altri non arriva affatto? Quali le registrazioni che meritano di essere conservate e riascoltate?
A mettere un po’ d’ordine in una materia tanto caotica ci prova Claudio Sessa, collaboratore del “Corriere della Sera” con l’interessante volume “L’età del jazz. I contemporanei” (Il Saggiatore, pagg.288, € 23,00)
Il volume è preceduto da una sapida prefazione di Uri Caine dove si evidenzia come l’autore abbia posto particolare attenzione alla realtà discografica mettendo a confronto registrazioni di diverse generazioni ed epoche al fine di sottolineare la presenza di temi ricorrenti. Di qui l’individuazione di connessioni tutto sommato inaspettate ma del tutto congrue.
La stessa struttura del libro risponde ad un desiderio di approfondimento che traspare evidente fin dalle prime pagine; così nel primo capitolo, “Oltre la cronaca”, si tracciano le linee attraverso cui si dipanerà l’analisi: osservazione attenta di quanto accaduto negli ultimi venti anni senza però trascurare che il tutto è la conseguenza di quanto avvenuto in precedenza.
Certo, trattandosi di “cronaca” e non di storia, la materia è avvolta da una sorta di polverone che non giustifica una posizione attendista: per tentare di decifrare quanto sta accadendo, occorre prendere posizione e Sessa lo fa con la schiettezza e l’acume che gli sono abituali. E lo fa, come si accennava in precedenza, aiutandosi con il riferimento a significative incisioni cosicché il volume, diventa , sotto certi aspetti, anche una sorta di guida all’ascolto.
Il secondo capitolo è dedicato a “L’interazione fra Stati Uniti ed Europa” il cui filo conduttore è dato dalla constatazione di come a partire dagli anni sessanta si sia affermata “una paritetica interazione fra le due culture” mentre interessanti sviluppi del linguaggio jazzistico si registravano anche in Sudafrica e Giappone.
Nel terzo capitolo “Radici locali e musica mondiale” Sessa evidenzia come una delle grandi novità del jazz contemporaneo sia costituita dalla “liberazione delle energie contenute in tutte le tradizioni culturali legate alla lunga storia” del jazz.
Di particolare interesse la quarta sezione dedicata a “Il nuovo jazz italiano” e, a questo riguardo, segnaliamo il “coraggio” con cui Sessa affronta un tema scottante come l’attualità jazzistica nel nostro Paese. Ne sa qualcosa il sottoscritto che per avere espresso valutazioni difformi dalla stragrande maggioranza dei colleghi è stato tacciato, nella migliore dei casi, di “faziosa incompetenza”. In questo caso Sessa, contrariamente a quanto fatto in precedenza, analizza lo sviluppo storico che ha avuto la musica afroamericana nel nostro Paese riandando indietro nel tempo, ben oltre gli anni sessanta. Di qui la presa in considerazione di un fantastico musicista quale Gorni Kramer, cui fanno seguito , sempre analizzati attraverso i dischi, i jazzisti italiani che evidentemente Sessa ritiene di maggiore significanza.
In “Un jazz neoclassico” Sessa approfondisce il perché musicisti di oggi sentano la necessità, vera, di suonare stili già tramontati mentre in “Lontano dai margini: il camerismo radicale” l’Autore si sofferma sula gran varietà coloristica degli ultimi decenni strettamente connessa ad una propensione per organici di tipo cameristico.
Nel settimo capitolo viene affrontata “L’ambiguità elettronica” vale a dire quel rapporto, alle volte paradossale, che fin dalle origini lega jazz e tecnologia per giungere a conclusioni davvero interessanti mentre nel successivo “Nuovi racconti, nuovi registi” si evidenziano i nuovi rapporti che oggi si instaurano tra leader e singoli musicisti, tra individuo e gruppo alla ricerca di quell’ottimale equilibrio così difficile da raggiungere.
A chiudere una acuta riflessione sulle ideologie attuali, ponendosi almeno due interrogativi fondamentali: in che modo il jazz ha modificato la propria natura ? Tutto ciò può essere utile per capire cosa accadrà in futuro?
Ovviamente sì, a patto che non si abbia la pretesa di confinare il jazz in una formula ideologica, in quanto tale impossibilità a comprendere appieno un fenomeno così complesso.

COUNT BASIE con ALBERT MURRAY – “Goord morning blues – L’Autobiografia” – (minimum fax, pagg.537, €17,00)
Ecco un altro libro che farà felici quanti amano le biografie: dopo Miles Davis, John Coltrane, Chet Baker, Ray Charles, James Brown, la “minimum fax” dedica un volume a Count Basie, uno dei più grandi pianisti jazz di tutti i tempi, maestro indiscusso dello swing e leader di una big band leggendaria.
Per narrare la sua vita Basie si affida ad Albert Murray saggista e critico jazz tra i più quotati negli States, ed il risultato è eccellente.
Il volume segue passo passo la vita del grande musicista , dall'infanzia nel New Jersey dei primi del secolo, alle prime esperienze a Kansas City e New York, alle collaborazioni con Billie Holiday e Lester Young, ai tour mondiali con la sua orchestra.
La scrittura è piana, piacevole, ricca di humour senza mai scadere nel banale, la vicenda umana e artistica è assolutamente entusiasmante per cui l’interesse della lettura mai viene meno. Così, seguendo la vita di Count Basie, ritroviamo le figure che , assieme a lui, hanno scritto la storia del jazz. E ci sono davvero tutti: da Duke Ellington, a Fats Waller, da Herschel Evans a Freddie Green, da Walter Page … a Jo Jones a Lester Young … a Buck Clayton.
Insomma una straordinaria galleria di personaggi e di situazioni che illuminano al meglio cinquant’anni di storia del jazz senza trascurare il contesto socio-economico in cui questa musica cresce e si sviluppa.
Di qui l’interesse particolare di certe pagine in cui si descrive con dovizia di particolari il modo in cui i musicisti riescono a sbarcare il lunario pur in momenti di crisi, senza un lavoro, grazie alla solidarietà che sorge spontanea in certi ambienti.
Così come di grande rilevanza sono le parti in cui si pone l’accento sulle forme di spettacolo che hanno accompagnato i primi vagiti del jazz e che, sotto certi aspetti, ne hanno costituito una sorta di culla.
Insomma un libro sempre interessante, a tratti entusiasmante, che tutti gli appassionati di jazz dovrebbero leggere.

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JAZZiT – Marzo Aprile 2009
E’ in distribuzione il nuovo numero di JAZZiT che registra un’importante novità : la direzione torna a Luciano Vanni dopo cinque anni di gestione affidati a Vincenzo Martorella e Loredana Albanese. Ovviamente è troppo presto per capire se ci saranno significativi mutamenti anche se nel suo editoriale il neo-direttore afferma che la rivista continuerà lungo le direttrici tracciate in precedenza seppure , afferma esplicitamente Vanni , “con un carattere ed uno stile più vicini alla mia personalità”. Di qui , innanzitutto, una nuova impostazione grafica con grandi foto sì da rendere più facile e gratificante la lettura.
Dal punto di vista dei contenuti, invece, almeno in questo numero nessuna significativa novità. La copertina è dedicata ai settanta anni della Blue Note con una serie di sevizi tra cui quelli di Sergio Pasquandrea (che ne traccia un profilo storico), Luciano Vanni (con un doppio esame dei venti artisti a suo avviso più rappresentativi e delle venti incisioni più importanti), Andrea Di Gennaro (che ci indica i venti giganti Blue Note immeritatamente finiti nell’ombra)…
Sempre sotto il profilo storico, interessante contributo di Stuart Nicholson sui cinquanta anni di “Kind of Blue”.
Per quanto concerne gli italiani, spazio a Alessandro Giachero, al Quartetto Alborada, e a Massimo Barbiero.

il giornale della musica – marzo 2009
Anche “il giornale della musica”, nella sezione dedicata al jazz, dedica un ampio servizio ai settanta anni della Blue Note.
A parlarcene è uno dei migliori critici jazz italiani, Stefano Zenni, che mette tra l’altro in evidenza come questa ,alle origini, piccola etichetta indipendente sia riuscita, con una ricerca accurata sugli artisti e quindi sul suono, e con una grafica affatto particolare, a creare l’immagine del jazz così come lo conosciamo.
Nell’ambito degli altri contributi jazzistici di particolare rilievo un’intervista a Stefano D’Amerio che, fresco della nomination ai Grammy 2009 per l’album “Distance” di Norma Winstone registrato nel 2007, ci parla del suo lavoro di ingegnere del suono mentre Paolo Carradori illustra l’ultimo lavoro del sassofonista Dimitri Espinoza con Amiri Baraka.
Infine interessante l’articolo di Luca Canini sulla chitarrista Mary Halvorson messasi in luce con Anthony Braxton, giunta al primo disco da leader: “Mary has a little band”

Belle novità dalla terra di Sicilia: dopo il successo di critica del suo primo disco, la pianista Cettina Donato propone “Sicilian Influence” , un progetto di musiche originali e standard con una formazione tutta siciliana completata da Pucci Nicosia (batteria), Vincenzo Virgillito (contrabbasso) e Dario Miano (sassofoni). Continua...

Enrico Rava convince sia su disco sia dal vivo. Roberto Gatto si conferma grande musicista
Continua...

ARVE HENRIKSEN – “Cartography” – ECM 2086
Questo album rappresenta il debutto come leader di Arve Henriksen per la ECM e si tratta di un debutto assolutamente strepitoso data la qualità della musica che si ascolta.
Per questa impresa il talentuoso trombettista norvegese ha chiamato a sé alcuni nomi eccellenti del jazz “nordico” quali il percussionista Audun Kleive, il chitarrista Eivind Aarset, il contrabbassista Lars Danielsson e soprattutto Jan Bang (Samples, programming, arrangiamento) tutti impegnati al massimo nell’esecuzione di dodici brani che sono altrettante perle di squisita e coinvolgente sensibilità.
Lavorato nell’arco di tre anni (l’album contiene brani registrati in studio e brani ripresi durante i concerti) “Catography” rappresenta al meglio le varie sfaccettature dell’arte di Henriksen che qui ripresenta la sua splendida “Famine’s Ghost” in due parti , registrata dal vivo al Punkt Festival di Kristansand nell’agosto del 2008, in cui il trombettista evidenzia una sua particolare predilezione anche per il canto medievale: la prima parte consta, infatti, di frammenti tratti da “Anima mea” splendidamente interpretati dalla pertinente vocalità di Anna Maria Friman , mentre nella seconda parte si fa ammirare Ståle Storløkken (synt, samples) già ascoltato con i Supersilent.
Henriksen appare per nulla interessato ad esibizioni di tipo virtuosistico e si impegna nella tessitura di trame a largo respiro, con una forte vocazione narrativa in cui le emozioni si susseguono l’un l’altra per approdare ad una personalissima concezione estetica che, ne siamo sicuri, conserverà anche nelle prossime prove.
Insomma davvero un bel disco con il cui ascolto iniziare questo 2009.

MICHAEL MANTLER – “Concertos” – ECM 2054
Questo album di Michael Mantler è particolarmente importante in quanto racchiude le nuove composizioni del musicista viennese dopo “Hide & Seek” registrato nel 2000 e realizzato nel 2001. In questo lungo intervallo la ECM ha pubblicato nel 2006 “Review” un’antalogia di brani registrati tra il 1968 e il 2000.
Ma torniamo al presente, a questo Concertos che ,secondo lo stesso Mantler, rappresenta un ritorno al passato per ripensare l’originale concetto del lavoro con la “Jazz Composer’s Orchestra”. Così accanto ai solisti provenienti dalla nuova musica contemporanea (per ciò stesso non improvvisatori) ci sono quelli che vengono dal nuovo jazz e dal nuovo rock e quindi perfettamente in grado di improvvisare: il tutto sorretto da un ensemble cameristico di grande scioltezza e flessibilità.
L’album si articola in 7 brani dedicati ognuno ad un solista: si inizia con Mantler che, alla tromba, dimostra ancora una volta la sua statura di grande improvvisatore; è poi la volta della chitarra con lo svedese Bjarne Roupé, già compagno di Mantler in tante avventure, che si distingue per l’eleganza del fraseggio; a seguire il sassofonista Bob Rockwell che evidenzia grande versatilità passando con disinvoltura dall’hard-bop che gli è congeniale, al clima astratto disegnato da Mantler…e via di questo passo con , in veste di solisti,il sempre ottimo Ruswell Rudd al trombone, Nick Mason alle percussioni, il portoghese Pedro Carneiro alla marimba e Majella Stockhausen al piano…e a nostro avviso sono proprio questi ultimi due a risultare non del tutto in linea con il resto dell’album.

GIULIANA SOSCIA & PINO JODICE ITALIAN TANGO QUARTET – “Latitango” – Splasc (H) CDH 2521.2
Chi segue queste pagine sa bene quanto io ami la commistione tra jazz e tango, una commistione che ha dato frutti assai prelibati come dimostrano le incisioni di Astor Piazzola con Gary Burton e Gerry Mulligan.
Ecco ora a rinverdire la validità di questa tesi un gruppo made in Italy, “GIULIANA SOSCIA & PINO JODICE ITALIAN TANGO QUARTET”, che nasce da un’idea della fisarmonicista, pianista e compositrice Giuliana Soscia che oramai da anni collabora con Pino Iodice pianista e compositore jazz, nonché arrangiatore e direttore d’orchestra.
L’organico è completato da Francesco Angioli al contrabbasso e Francesco De Rubeis alla batteria.
Il repertorio è interamente incentrato sul tango, ed in particolare sulle composizioni di Astor Piazzola affiancate da quattro originali di cui tre firmati dalla coppia Soscia-Iodice e l’ultimo dal solo pianista.
Insomma una prova davvero impegnativa che il gruppo affronta con la dovuta consapevolezza e professionalità vincendo nettamente la sfida: i brani del compositore argentino sono presentati senza nulla perdere della loro originaria carica di drammaticità e coinvolgimento mentre le composizioni originali si inseriscono perfettamente nel tessuto connettivo di un album eccellente.

ROSARIO BONACCORSO – “Travel Notes” – Parco della Musica/Egea
Se non andiamo errati è il primo disco che il valente contrabbassista Rosario Bonaccorso firma da leader e responsabile unico e per farlo ha chiamato accanto a sé il pianista Andrea Pozza (già ammirato a fianco di Enrico Rava), il trombettista Andy Gravish e il batterista Nicola Angelucci.
L’album è quindi una sorta di viaggio attraverso l’oramai lunga carriera del contrabbassista che in questa prova si dimostra artista oramai maturo, perfettamente consapevole dei propri mezzi espressivi ed in grado di comunicare al meglio la gamma di emozioni che la sua musica racchiude. E che Bonaccorso vada considerato alla stregua dei migliori musicisti europei lo dimostra altresì il fatto che gli undici brani contenuti nel disco sono tutte sue composizioni in cui il gusto dell’improvvisazione si coniuga magistralmente con la pagina scritta ed in cui ad ogni compagno di viaggio viene lasciato il giusto spazio.
I brani sono tutti gradevoli ma con una menzione particolare per Crazy day…” in cui Rosario rispolvera una gloriosa tradizione doppiando il suono del contrabbasso con la voce, di “Renate” caratterizzato da una bella linea melodica e “Meglio a lungo che mai”.

VENANZIO VENDITTI – “Let’s move on!” – Philology W 395.2
Un suono caldo e pieno, una tecnica di ottimo livello, una profonda conoscenza della letteratura sassofonistica: questa, in sintesi, la carta d’identità di Venanzio Venditti che in questo album presenta il suo quartetto composto da Leonardo Borghi al piano, Vincenzo Florio al contrabbasso e Marco Valenti alla batteria.
Scevro da qualsivoglia tentativo di sperimentazione, Venditti si rivolge al grande passato del jazz per riproporre temi di grande suggestione come “Asiatic Raes”, “Easy living” , “It’s you or no one”, “How deep is the ocean”…esponendosi con ciò ad inevitabili paragoni. Ebbene, indipendentemente dai modelli, Venditti se la cava egregiamente grazie a quelle qualità cui facevamo cenno in apertura e all’aver perfettamente interiorizzato i modelli estetici rappresentati dall’hard bop e dal cool jazz. E a conferma di ciò il sassofonista inserisce nell’album tre sue composizioni che , pur aderendo ai suddetti modelli, tracciano la figura di un compositore arguto e originale. Si ascolti in tal senso la doppia versione del modale “Piccola Anna”: nella prima (Track 6) cui nulla fa per nascondere l’influenza di Coltrane con un fraseggio quanto mai ricercato ed efficace, nella seconda (Bonus Track 9) dà modo al pianista Leonardo Borghi di mettersi in bella evidenza.

DUCCIO BERTINI QUINTET – “Moving” –Splasc (H) CDH 1539.2
Il “Duccio Bertini 5tet” nasce dall’incontro di musicisti provenienti da varie e pluriennali esperienze: il leader al sax alto e clarinetto, Tony Cattano al trombone, Claudio Airo al piano e fender rhodes, Alvise Seggi al basso e Massimo Alioto alla batteria. Cinque buoni musicisti che trovano, comunque, nell’affiatamento la loro carta vincente.
Il gruppo si muove su coordinate ben precise: vale a dire un jazz moderno che tuttavia non dimentica la lezione dei grandi quali Ellington, Monk, Mingus …e via di questo passo. Di qui una musica oggettivamente non nuova, ma egualmente assai godibile grazie sia alle già citate capacità esecutive, sia , soprattutto, alla bontà dei temi proposti. E al riguardo c’è da sottolineare come dei nove pezzi presenti nel CD ben sette siano del leader , uno di Cattano e un altro, “Strollin’” del grande Horace Silver.

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