L’esibizione del quintetto romano nel suggestivo jazz club in stile “Vintage”, riaperto da alcuni mesi dall’esperto di robotica Marc Reynaud, con una programmazione attenta a progetti originali.

I “CCFM quintet”, per chi avesse perso l’esibizione al “Be bop” lo scorso 28 aprile, proseguono le esibizioni romane approdando al “Ventotto de Vino”, in via Mirandola 21 (piazza Ragusa). Sabato 23 maggio alle 22:00 circa. Antonio Veredice, contrabbasso; Armando Luongo, batteria; Federico Feliciani, presentatore e voce narrante; Giuseppe Pittalis, chitarra; Lorenzo Gentile: pianoforte e piano Rhodes; Michele Leiss, sax tenore. Asse portante del progetto, oltre alla natura composita dell’ispirazione musicale, riconducibile a filoni e generi diversi, è il frequente accostamento dell’aspetto improvvisativo, ispirato ad una concezione jazzistica, con un’impostazione più marcatamente “scritta”, attenta alla cura degli arrangiamenti.
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A colloquio con il pianista romano

Enrico,  in questi ultimi periodi ci sono stati due eventi molto importanti nella tua vita di artista: l’affermazione, ex aequo, con Franco D’Andrea nel “Top Jazz” indetto da Musica Jazz per la categoria “Musicista dell’anno” e l’incisione negli States di due nuovi album di cui uno dedicato al latin jazz. Come vivi questo particolare momento?
“L’affermazione al “Top Jazz” è giunta del tutto inattesa e proprio per questo ancora più gradita. Non ci pensavo proprio,  anche perché in questo periodo è cresciuta tutta una nuova validissima schiera di giovani musicisti ed è comprensibile che i riflettori si spostino verso di loro.” 

Il fatto che i riflettori si spostino non significa, però, che ci sia un livellamento di valori.
“Certo ma è indubbio il fatto che negli ultimi tempi sia emersa una figura di musicista jazz diversa da quella che potevamo rappresentare sia io sia Franco D’Andrea. E al riguardo, ci tengo a dirlo, sono particolarmente felice di aver ottenuto questo riconoscimento assieme a lui in quanto rappresentiamo, pur nelle nostre diversità, un certo modo di intendere, di vivere questa musica non solo sul palcoscenico. Intendo dire che noi non facciamo parte di quella schiera di artisti forse più duttili, più aperti, più inseriti nel mondo dello spettacolo che probabilmente attirano maggiormente l’attenzione. Non sto facendo un discorso di merito ma solo evidenziando che siamo diversi.” 

Io invece me l’aspettavo in quanto, lo scorso anno, hai inciso quello straordinario album dedicato alle musiche di Scarlatti che ha ottenuto consensi assolutamente unanimi…
“In effetti il disco è andato molto bene e credo, come tu dici,  che abbia contribuito parecchio all’affermazione nel referendum.  Il progetto Scarlatti  era nello stesso tempo coraggioso e pericoloso: coraggioso perché poteva apparire assolutamente fuori contesto rispetto all’immagine che avevo sempre proposto – trio, quartetto ecc. Certo, si è sempre saputo che la musica classica rappresenta l’altro mio campo di profondo interesse, interesse che ho sempre continuato a coltivare fattivamente, ma di qui a proporre un album come questo ce ne correva. E qui andiamo alla pericolosità cui prima accennavo: quando si mischiano due  linguaggi bisogna stare molto attenti perché facilmente si rischia di deludere un po’ tutti,  i fautori dell’uno e quelli  dell’altro. Fino a non molti anni fa d’altra parte ero io stesso molto scettico su operazioni di questo tipo – di cosiddetta “contaminazione” -  perché facilmente si può scivolare nel pastiche di cattivo o dubbio  gusto. Evidentemente sono riuscito ad evitare questi pericoli…lo dimostrano i responsi assai positivi pervenuti anche dall’ambiente  classico. Tutto questo mi ha dato fiducia a continuare in un progetto che non smette di appassionarmi: ho alcuni concerti in questo mese di febbraio, un altro in  marzo particolarmente importante al Teatro Metastasio  di Prato. Altri,  nella prossima estate,  sono stati richiesti   - piacevole sorpresa, ovviamente  -  da festival di musica antica come quello di Urbino e quello di Froville in Francia.” 

Io credo che in questo quadro una parte di merito vada alla casa discografica per cui lavori, la CAM, che ti lascia assolutamente libero di esprimere il tuo talento mettendoti, anche, nelle condizioni migliori per farlo…
“Certamente  sì. Siamo  in un momento di grossa crisi economica  generale e anche il mercato discografico ne risente pesantemente. Il jazz però, nonostante tutto, sembra resistere.. In questo quadro avere la  possibilità di esprimersi senza vincoli mi sembra  un vero e proprio privilegio.  Con la CAM  ho un contratto di esclusiva che è iniziato nel 2007 e che proseguirà per tutto quest’anno…poi vedremo. Finora  i dirigenti della CAM  hanno sempre saputo cogliere quanto di buono c’era nelle mie idee e proposte,  ivi compresa quella su Scarlatti che richiedeva una certa ampiezza di visione. Il  rapporto con loro è davvero molto soddisfacente.  Anche da un punto di vista pratico  si mostrano generosi mettendomi  a disposizione il meglio.  Ad esempio il successo del disco su Scarlatti è dovuto molto anche alla qualità sonora  del cd. E questa è stata possibile andando a incidere   in uno luogo “storico”  del jazz,  gli studi  Bauer di Ludwigsburg, in Germania, che negli anni ’70 ospitarono la registrazione dei primi album ECM. Inoltre ho potuto contare su un bravissimo  tecnico,  dotato di conoscenze e capacità atte a riprendere  anche musica di questo tipo e, ancora,  mi è stato fornito per l’occasione un pianoforte particolare, uno Steinway nuovissimo (solo due mesi di vita…).  Una serie di accortezze e di dettagli che sono fondamentali  per la buona riuscita di un’operazione discografica. A tutto questo  la CAM si mostra sempre molto attenta. C’è insomma da parte loro una sensibilità al bello che garantisce  l’elevata  qualità del risultato.”

E veniamo ai due album che hai inciso negli Stati Uniti; di che si tratta?
“ Sono due progetti nuovi, due cd  live che non so ancora quando saranno pubblicati. Queste decisioni spettano alla casa discografica. Comunque è stata un’esperienza straordinaria, era la prima volta che registravo dal vivo a New York.” 

Dove, per l’esattezza?
“Al Birdland, alla fine di ottobre 2008…e sono stati quattro giorni intensi, veramente  emozionanti.   Nei  primi due ho suonato e registrato in trio  insieme a due musicisti che non credo abbiano bisogno di presentazioni, due icone del jazz moderno quali  Paul Motian alla batteria e Steve Swallow al basso. Con loro ho suonato una musica molto aperta, piena di improvvisazione libera. Poi, nei due giorni successivi è stata la volta del quintetto “latino”, per il quale avevo al contrario preparato una musica molto arrangiata. In entrambi i casi si è trattato di un’esperienza che non dimenticherò facilmente, per l’atmosfera del club, perché ero a New York, perché per la prima volta ho potuto esprimere appieno la mia passione per la musica   “latina”, cubaneggiante, che  mi piace tantissimo.” 

Ecco, a proposito di ciò, qual è stata a tuo avviso l’influenza della musica caraibica sullo sviluppo del jazz?
“ E’ stata un’influenza molto importante. Sappiamo che fin dalla seconda metà degli anni ‘40 i fondatori del bop, Gillespie,  Parker,  si misero in rapporto stretto con la musica cubana. Iniziò così un processo di vera e propria osmosi, le due forme espressive si mescolarono, si fusero. Certi aspetti ritmici della musica latino-americana hanno avuto un’influenza importante sul “colore” di molto jazz moderno. Anche i musicisti europei si sono sintonizzati con queste musiche  ma ovviamente con una sensibilità diversa. In questo senso il mio progetto latino è quello di un musicista europeo che vive questa musica filtrata attraverso una visuale non diretta: non ho fatto cioè un’operazione rigorosamente filologica. E’ stata, quindi, una sorta di gioco, ma un gioco molto importante perché mi ha dato l’opportunità di scrivere nuova musica e mi ha permesso di suonare accanto a musicisti straordinari.  In questo senso la CAM  è stata davvero generosa mettendomi accanto musicisti stellari, che rispondevano perfettamente anche ai requisiti di temperamento richiesti da questo tipo di musica. In pratica  una vera e propria incredibile “all stars”  che riuniva intorno a me  un contrabbassista americano dalle forti radici italiane, John Patitucci (è di famiglia calabrese), un fantastico batterista messicano,  Antonio Sanchez, un grande trombettista argentino doc, Diego Urcola e, naturalmente, un cubano purosangue, il giovane sassofonista Yosvani  Terry. Non potevo chiedere di meglio…”

Come hanno reagito questi musicisti alle tue provocazioni sonore?
“Direi più che bene, come spero si sentirà nel disco. Loro hanno detto che il mio modo di scrivere si avvicina molto  a quello di Horace Silver…ed è fin troppo facile capire quanto ciò mi abbia fatto piacere, anche perché hanno  colto il punto: in effetti il mio interesse per il latin jazz, specie all’inizio, è passato proprio attraverso i pezzi di Silver.  Il suo modo così semplice,  diretto e sanguigno  di scrivere fu  per me un punto di riferimento importante quando formavo il mio linguaggio ritmico e armonico, così come lo erano i Jazz Messengers di Art Blakey. In seguito ho scoperto un gruppo latino  che mi piaceva moltissimo, quello guidato dal vibrafonista Cal Tjader, con cui, agli inizi della carriera, suonò anche  Chick Corea. Ed  anche quest’ultimo è stato per me un tramite attraverso cui arrivare ai ritmi latini, termine che uso qui nell’accezione  più ampia. Per esempio  i pezzi spagnoleggianti di Corea, tra cui il celebre “Spain”,  mi hanno sempre coinvolto molto. Chissà, forse non è stato casuale il fatto che a suonare con me a New York ci fosse proprio Patitucci, che  è stato partner di Corea in molte sue  imprese”.           

Come mai sei arrivato a questa scelta proprio adesso, proprio dopo aver realizzato un disco su Scarlatti?
“Può sembrare bizzarro o paradossale ma l’imput che  m’ha portato a pensare di fare un disco “latino”, l’ispirazione, se vuoi,  è venuta proprio da Scarlatti. Il collegamento?  La musica di  Scarlatti è piena di ritmi ispanici, mediterranei. Quando ho ricominciato a suonarla sono stato invaso da una sorta di ritrovato, misterioso, travolgente  furore ritmico…un piacere primitivo, molto fisico che poi è diventato il motore per scrivere quasi tutti i brani  del progetto latino.”

Facciamo un  passo indietro: proprio in questi giorni è uscito un altro tuo splendido album, “Dream dance” (CAM JAZZ 7815-2) , registrato però nel dicembre del 2004; cosa rappresenta per te questo album?
“E’ l’ultimo disco che ho fatto in trio con Marc Johnson al basso e Joey Baron alla batteria. Come sai si tratta di un trio cui sono molto affezionato tanto che l’ho chiamato “il trio del mio cuore”, perché rappresenta una tappa importantissima nel mio cammino artistico. Questo  cd esce proprio nel 25° anniversario della fondazione di questo  trio. Il primo disco,  “New Lands”,  lo incidemmo infatti nel 1984.  Il titolo “Dream dance” sintetizza assai bene quello che per me ha rappresentato la collaborazione di 25 anni con questi fantastici musicisti: una danza da sogno, che mi ha regalato emozioni indicibili. Credo sia un trio  assolutamente unico come combinazione di suoni,  fusione di personalità, capacità di interagire, fantasia …e quindi questo disco rappresenta una sorta di summa e insieme la  celebrazione sonora di un’avventura musicale bellissima. Nessun altro musicista riesce ad entrare nella mia musica meglio di Marc e Joey, nessuno meglio di loro  è in grado di interpretarla e di farla propria con tanta naturalezza, classe, intensità. Dimenticavo di aggiungere in proposito  che anche “Dream dance” presenta solo miei brani originali. Un altro aspetto di cui sono grato alla CAM che mi dà l’opportunità, in occasione dei vari progetti, di cimentarmi come compositore e arrangiatore,  oltre che come pianista.  Posso così esprimermi in ogni direzione musicale, senza limiti o restrizioni.”

Avete altri progetti assieme?
“Al momento, purtroppo no. L’ultima volta che abbiamo suonato insieme è stata nel 2006 in California,  dopo di che non ci sono state più occasioni. Ma io sono fiducioso. E  visto che  “Dream dance” celebra le nozze d’argento del trio,  spero di cominciare presto con loro un altro periodo di musica che duri  almeno altri venticinque anni…”

Comunque devo dire che indipendentemente dal contesto in  cui ti trovi ad operare, si tratti della musica di Scarlatti piuttosto che del trio con gli italiani o del trio con gli americani, il tuo stile risulta immediatamente riconoscibile…
“Questo è il più bel complimento che potevo sentirmi fare. Si dice,  soprattutto nel mondo del jazz,  che un musicista sia di rilievo proprio quando ha la capacità di essere riconoscibile tra molti. Vuol dire che ha cose sue da raccontare e che le sa raccontare in modo originale. E’ un regalo bellissimo quando mi viene detto.Grazie. “

L’intervista con Enrico Pieranunzi si svolge in condizioni assolutamente ottimali: siamo nel salotto di casa mia ed abbiamo appena ascoltato l’ultima straordinaria fatica discografica del pianista romano “Enrico Pieranunzi plays Domenico Scarlatti – sonatas and improvisations” CAMJ 7812

Ed è proprio su questa scelta che si incentra la prima domanda: perché proprio Scarlatti?
“ E’ una storia lunga che ha inizio nel ’65 -’66, quando, adolescente, preparavo l’ottavo anno di pianoforte. Fu allora che entrai in contatto con la musica di Scarlatti perché nel programma ministeriale del Conservatorio a quel punto del corso sono previste sonate clavicembalistiche, in particolare di Domenico Scarlatti. Poi sono passati tanti anni e tante note… è arrivato il 2007 e ho collegato questa data col 1757: eravamo infatti nel 250° anniversario dalla scomparsa del Maestro. Stimolato da questo link ho deciso di riprendere a suonare per mio diletto questi brani che, del resto, tenevo sempre vicino al piano, insieme ad altri “libri del cuore” come ”Il clavicembalo ben temperato” e le “Invenzioni a due e tre voci” di Bach, o gli studi di Chopin. Stavolta però mi si è aperto uno scenario musicale emotivamente del tutto nuovo. Così m’è venuta voglia di approfondire le vicende biografiche di questo straordinario musicista e sono andato a rileggermi alcuni testi fondamentali sulla sua vita, soprattutto l’accuratissima, illuminante biografia di Kirckpatrick. In poche parole è nata una specie di “innamoramento” per la musica e la vita di questo eccezionale compositore-improvvisatore e proprio quest’ultima sua ben nota qualità me lo ha reso così vicino che a un certo punto mi sono detto: ‘ma perché non improvvisare su queste meravigliose sonate?...’. Ed eccoci qua, ora, a parlare di questo cd…”

Ed è stato un lavoro facile?
“ Non proprio. Soprattutto all’inizio è stato difficile, complesso. Le sonate del Maestro hanno una loro profonda vita segreta e possiedono un’ identità di forma e contenuto molto precisa e potente. Metterci le mani era complicato, bisognava trovare la chiave giusta per entrarci. Dopo vari tentativi ho cominciato a trovare un modo efficace - almeno spero – e la musica ha cominciato a fluire.”

A parte questa impostazione di fondo, il disco si segnala per una sua profonda originalità: non avevo mai ascoltato un album in cui fossero proposti pezzi di musica classica nella loro versione originale, preceduti o seguiti da improvvisazioni che da tali pezzi traggono origine. Questo tipo di lettura mi appare particolarmente stimolante anche perché dovrebbe interessare gli appassionati di classica, quelli di jazz e quanti, specie in questi ultimi tempi, seguono particolarmente il cosiddetto cross-over
“Francamente, quando ho preparato l’album, non ho pensato al destinatario della musica…ho pensato solo a fare del mio meglio. Tra l’altro nel 2006 avevo già fatto qualcosa di simile. Il progetto si chiamava “ImproMozart” e usavo un po’ lo stesso sistema: prendevo le sonate del “divino fanciullo”, ne suonavo dei brani e poi le abbandonavo per “vagabondare” sulla tastiera a modo mio, utilizzando e sviluppando i materiali di Mozart. Con Scarlatti, come dicevo prima, l’operazione all’inizio è risultata più difficile. Forse per la forza e il dinamismo molto “fisici” dei suoi temi, forse per quella compattezza formale di cui dicevo prima …non saprei. So che per trattarle ho dovuto trovare un approccio basato sull’improvvisazione in senso lato, non necessariamente quella legata al linguaggio jazzistico. Insomma, la musica di questo geniale compositore-improvvisatore m’ha costretto a essere improvvisatore-compositore.”

Vogliamo approfittare di questa occasione per smentire una leggenda metropolitana e chiarire una volta per tutte che l’improvvisazione non è solo della musica jazz?
“Con piacere…anche se sono stupito che questa leggenda sia ancora in vita, vista la quantità di improvvisazione che c’è da anni nel rock o nella musica etnica, oltre che nel jazz e visto che da sempre l’improvvisazione fa parte integrante della musica, di tutta la musica, anche di quella classica . Insomma mi sembra un po’ paradossale dover ricordare ancora che lo stesso Scarlatti ma anche Bach, Handel, e tanti altri su su fino a Beethoven, Liszt e oltre erano dei formidabili improvvisatori e che questo non è, come comunemente si crede, un fatto secondario o accessorio, anzi….Tornando alle mie improvvisazioni su Scarlatti, si tratta di un “comporre improvvisando” in cui utilizzo i materiali del Maestro che di volta in volta mi intrigano di più: un intervallo, un disegno ritmico, una figurazione, qualsiasi cosa possa costituire l’elemento generativo di una nuova forma. Andando avanti, ho ampliato questo “sistema” fino ad arrivare al suo… rovesciamento: parto cioè con una improvvisazione libera che lungo il suo cammino trova pian piano elementi specifici di questa o quella sonata finché come atto finale la sonata stessa viene eseguita così come scritta. Ci sono alcuni esempi di questo secondo tipo di approccio nel Cd.”

Prima dicevamo che questo tipo di procedimento potrebbe raccogliere molto interesse; ma forse c’è anche un altro lato della medaglia, vale a dire il pericolo di attirarsi critiche da parte sia degli appassionati di jazz sia dei cultori di musica classica…
“Probabilmente hai ragione: prima dell’uscita del disco, che è stato registrato nel dicembre del 2007, ero totalmente immerso nell’impresa, adesso lo sono altrettanto in quanto siamo al momento assai emozionante dell’uscita dell’album, quindi non ho avuto modo di focalizzare questo rischio. Tra l’altro nella sola giornata di oggi sei già la seconda persona che mi fa riflettere su tutto questo…dovrei spaventarmi? Le critiche - se e quando verranno - fanno ovviamente sempre parte del gioco. Allora diciamo che mi appello alla clemenza della corte (anzi delle “corti”, addirittura due, a quanto pare…). Scherzi a parte con questo disco ho realizzato un sogno, recuperando un pezzo importante della mia vicenda autobiografica. Nella mia vita musicale non c’è stato un “prima dopo”, non sono cioè passato dalla classica al jazz.. Fin dai miei inizi, da bambino, ho portato avanti contemporaneamente entrambi i linguaggi e dentro di me non s’è mai determinata alcuna gerarchia o “classifica” tra queste due espressioni musicali: le amo entrambe appassionatamente.”

Io credo che in quanto tu dici si avverta compiutamente quell’amore verso la musica di Scarlatti che poi risalta evidente nel disco. In altri termini se l’album viene ascoltato da chi non conosce bene la musica di Scarlatti, tra le sue composizioni e le tue improvvisazioni quasi non si avverte alcuna soluzione di continuità…
“Prendo le tue parole come un grande complimento. In effetti ho sempre sentito l’improvvisare e il comporre come intrinsecamente correlati. Aggiungo che improvvisare è stato per me uno strumento veramente decisivo per comprendere come “funziona” la musica scritta e penso che spesso si può comporre anche senza scrivere. Ci sono in giro dei grandi improvvisatori – Wayne Shorter, per citarne uno che secondo me è in cima alla lista – i quali quando improvvisano creano forme che hanno la logica, il senso architettonico di un primo tempo di una sonata o di sinfonia di Beethoven. o Mozart. In altre parole secondo me la sorgente dei due processi –improvvisare/comporre - è unica. Si può decidere di non fissare sulla carta questa sorta di flusso, cioè, appunto, di improvvisare, oppure si può prendere matita e gomma – o, oggi, tastiera del computer – per fissarlo. Ma la spinta interna è la stessa.

Teniamo altresì presente che al tempo di Beethoven il supporto sonoro non esisteva per cui se la musica non fosse stata scritta oggi non avremmo potuto conoscerla.
“ E’ vero. D’altra parte Scarlatti, Bach input o lo stesso Beethoven erano, come detto, grandi improvvisatori e chissà quanta loro splendida musica ci siamo persi. La domanda interessante è: perché si decide di scrivere una musica che si sta inventando?...Certamente perché anche altri – compreso l’autore stesso - possano suonarla e risuonarla. Però c’è qualcosa di più in questa esigenza, qualcosa che non “scatta” sempre e per tutto quello che si improvvisa. L’input iniziale del fare, inventare musica è comunque, secondo me, sempre improvvisativo. E non è detto che la musica scritta sia di per sé sempre migliore della musica che non si scrive…”

Il senso dell’operazione è chiaro: ma vogliamo ulteriormente specificare ai nostri lettori che non si tratta né di una “jazzificazione” della musica classica né di una commistione di elementi propria della “third stream” ?...
“E’ difficile definire che tipo di operazione sia ma è vero, come dici tu, che non è affatto una “jazzificazione” di pezzi classici né un tentativo fumoso di fondere artificiosamente linguaggi diversi. E’ qualcosa di particolare che forse richiede anche un nome particolare.. Prima ho parlato di “comporre improvvisando”. Ora mi viene in mente il grande pittore americano Pollock e la sua “action painting”. Perché non chiamare tutto questo “action composing”?...”

Visto lo straordinario risultato dell’album, hai in mente altri progetti del genere?
“Per la verità avrei già voglia di fare un “sequel”, uno Scarlatti 2. Ci sono tantissime altre sonate di Scarlatti veramente stupende che mi piacerebbe suonare e far ascoltare (ce ne ha lasciate 555…). Quindi spero proprio di tornare, magari fra non molto, sull’argomento”

E noi ce lo auguriamo di vero cuore!

Da oltre mezzo secolo protagonista del jazz europeo, Marcello Rosa ha “frequentato” questo ambiente in tutti i suoi risvolti: non solo da musicista ma anche da giornalista, critico, presentatore di moltissimi programmi radiofonici e televisivi. Il  bilancio di tanti anni di attività è sicuramente positivo anche se restano molte cose da cambiare; quali? Rosa ce lo svela in questa lunga ed interessante intervista.
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Una voce calda e suadente che sa transitare con estrema disinvoltura dai toni più acuti ai bassi più profondi, un’intonazione perfetta, una bella presenza scenica, una fortissima determinazione ed una naturale carica di simpatia: in pochi anni Marilena Paradisi è riuscita a conquistare la stima della critica, soprattutto quella internazionale. Ma come è riuscita ad ottenere questo straordinario risultato? Ce lo spiega lei stessa nell’intervista che segue.

- Cominciamo dall’inizio; dove sei nata e come è iniziato il tuo rapporto con la musica?
“ Sono nata a Roma ed il mio rapporto con la musica è nato in modo assolutamente spontaneo, naturale tanto che neanche io so individuarne il punto di partenza o la motivazione, anche perche’ in famiglia nessuno era interessato alla musica. Sta di fatto che , sin da piccolissima, ero attratta dalla musica classica ed ascoltavo soprattutto Mozart e Bach. Dapprima ho studiato pianoforte, poi sono passata alla danza classica e quindi il legame con la musica è diventato ancora più stretto tanto che i “Concerti Brandeburghesi” rappresentavano una sorta di pane quotidiano. Il tutto suscitando a volte l’apprensione dei miei genitori ,che non mi vedevano giocare come le altre bambine, a volte una dura opposizione: ricordo che quando studiavo pianoforte, molte porte di casa sbattevano in segno di rifiuto o di fastidio verso i miei studi. Poi , anche per tali motivi, per un lungo periodo ho interrotto questo filo con la musica, filo che ho ripreso molti anni dopo quando sono andata a studiare danza a New York. Lì c’è stato un vero proprio colpo di fulmine: ho incontrato il jazz e me ne sono innamorata! Sono tornata a Roma e ho cominciato a studiare canto; avevo deciso: il canto jazz sarebbe stato la mia strada “.

- In particolare, per quanti anni sei stata lontana dalla musica?
“ Per una quindicina d’anni. Poi, quando ho ripreso, era oramai divenuto un fatto mio, senza che qualcun altro potesse in alcun modo interferire e così sono andata avanti per la mia strada. Tieni presente che, proprio per i motivi che ho precedentemente illustrato, a diciotto anni sono scappata di casa e ho potuto disegnare i miei percorsi in modo assolutamente personale, anche perché mi ero resa oramai indipendente”.

- Ricordi qual è stato l’artista o il disco o lo stile che ti ha fatto innamorare del jazz?
“ Assolutamente sì: innanzitutto c’è da rilevare come spesso gli accadimenti di una persona derivano anche dai rapporti umani che la stessa intrattiene in quel determinato periodo storico. Ebbene in quel momento io avevo un fidanzato che amava il jazz, suonava il sassofono e quindi cominciò a farmi ascoltare un bel po’ di musica. In quel periodo io studiavo canto ma ancora non avevo preso alcuna direzione ben precisa. Poi ascoltai l’album “Ballads” di John Coltrane e lì è scattata una vera e propria passione: cominciai ad ascoltare Coltrane, Miles Davis, moltissimo Bill Evans e Chet Baker privilegiando, quindi, quella forma di jazz che si basava soprattutto sul cuore, sull’espressività…”

- Da quanto emerge dai tuoi dischi, sembra che tu utilizzi la voce in modo canonico, del tutto naturale, senza cioè attribuire alla voce stessa alcuna funzione o tonalità strumentale. Eppure tra le tue fonti di ispirazione mi hai nominato solo strumentisti. Come mai?
“ Tieni presente che quei jazzisti che ti ho elencato rispondevano alla Tua domanda circa il mio primo incontro con il jazz…e comunque tra tali musicisti ho citato Chet Baker che era caratterizzato da un’emissione vocale per me assolutamente affascinante: il suo canto è sempre stato ESSENZIALE ed era questo che mi colpiva moltissimo. Anch’io volevo, fortemente volevo, che il mio canto fosse essenziale, senza alcun orpello suppletivo. Poi quando ho cominciato ad intensificare il mio studio sulla vocalità , ho preso moltissimo sia da Helen Merrill sempre per lo stesso motivo (vale a dire l’essenzialità), sia da Shirley Horn. Queste sono le cantanti che mi hanno colpito all’inizio. Molto meno, ad esempio, Billie Holiday, che ho scoperto tardi, come se all’inizio non riuscissi a comprenderne appieno il senso. Sempre in quel periodo mi affascinava anche Sarah Vaughan con le sue improvvisazioni.( Ma ho ascoltato comunque tantissimo gli strumentisti per la mia formazione.) Insomma fin dall’inizio ho sempre avuto un doppio modo di intendere la vocalità: da un lato questa interpretazione molto scarna (avrei voluto essere capace di stare immobile riuscendo egualmente a dire qualcosa, cercando quindi qualcosa di profondo dentro di me); dall’altro il gusto di utilizzare la voce anche in modo strumentale, virtuosistico , cosa che, almeno fino ad ora, si evidenzia poco o nulla dai miei tre dischi. Anche perché una cosa è il live, un’altra il disco. Quando ho fatto i miei album, tutti i grandi musicisti con cui ho lavorato – da Sellani a Piana a Zigmund, – tutti mi hanno raccomandato di essere scarna, di andare al sodo…e io così ho fatto. Il concerto è un altro tipo di esperienza”.

- Come vivi il rapporto con il pubblico ? C’è qualche episodio che ricordi in modo particolare?
“Sai, il rapporto con il pubblico nel campo del jazz è sempre particolare: arriverei a dire che sempre quanto succede sul palco è il frutto di una interazione più o meno forte con il pubblico a cui tu trasmetti qualcosa ma che a sua volta ti rimanda un certo tipo di energia, positiva o negativa che sia”.

- Tu hai avuto la fortuna di esibirti dinnanzi a differenti pubblici, anche al fuori dei confini nazionali;hai lavorato, tra l’altro, a New York e Berlino… ecco, trovi qualche differenza apprezzabile al riguardo?
“Devo risponderti in modo affermativo; spesso ho trovato il pubblico “straniero” più caldo e soprattutto partecipe rispetto a quello italiano, all’estero la figura del musicista e’ una figura sociale molto piu’ importante che qui in Italia. Sei piu’ valorizzato, e penso che sia per un fatto culturale”.

- Pensi che questo possa dipendere anche dal fatto che tu sei donna in un ambiente ancora piuttosto maschilista o le due cose non hanno alcun nesso?
“ Questa è una domanda che potrebbe indurre una discussione di parecchie ore..cosa sicuramente non opportuna in questa sede. Eppure alcune cose si possono dire. Non v’è dubbio che ancora oggi, in qualsiasi campo una donna cerchi di realizzarsi sia piu’ difficile…e sicuramente questo accade anche nel jazz che e’ stato anche storicamente molto piu’ maschile. Ma sicuramente, se hai qualcosa da dire e ci credi fermamente e te lo difendi con tutte le tue forze, ce la puoi fare, eccome!! Le cose stanno cambiando per fortuna e in meglio!!!

- E a che punto sei di questo tuo personalissimo cammino?
“ Io sono molto soddisfatta di quel che ho fatto, dei risultati ottenuti. Ovviamente se mi stai parlando del successo, del grande successo, questo nel mondo del jazz è assai relativo. Se invece ti riferisci – come credo – alla mia intima soddisfazione, allora devo dirti che questa c’è; in cinque anni ho fatto tre dischi cosa certo non proprio comune”.

- A quando risale il tuo primo album, “I’ll never be the same”?
“ Al 2002 ed è stato recensito anche da “Jazztimes” e “Jazz Hot” ottenendo così un grande successo all’estero. In realtà ho cominciato a lavorare nei clubs nel 1997 e poi, dopo i classici cinque anni di apprendistato, è nato questo primo lavoro discografico che ha visto la luce anche da una serie di elementi fortuiti. Io avevo conosciuto Eliot Zigmund durante un corso in Veneto e tornata a Roma gli ho scritto una mail quasi per gioco dicendogli: “ma faresti un disco con me?” e dopo qualche giorno lui mi rispose “ma certo, perché no; io sono libero l’otto e il nove aprile”. Era gennaio e a quel punto il dado era tratto, non potevo certo tirarmi indietro: mi sono rimboccate le classiche maniche e ho cominciato a lavorare al repertorio, agli arrangiamenti, e a pensare alla scelta degli altri due straordinari musicisti – Piero Leveratto e Paolo Tombolesi – e in tre mesi ce l’ho fatta ad organizzare il tutto”

- Ma il disco te lo sei prodotta da sola?
“ Assolutamente sì, ed è stato bellissimo. Ci siamo visti alle 8 del mattino con Eliot che veniva da New York, Leveratto da Genova e Tombolesi che invece era residente qui a Roma. Non avevamo provato alcunché … per primo abbiamo registrato “You’are my thrill” che è anche il brano che apre il CD ed è stata buona la prima. Finito questo pezzo, sono andata in regia ad ascoltarlo e la commozione era tale e tanta che mi sono sciolta in un pianto liberatorio: è stato un momento bellissimo che credo mi accompagnerà per il resto della vita. Era accaduta una sorta di miracolo”.

- E gli altri due album, “Intimate conversation” e “Pensiero –Omaggio a Gino Paoli”?
“ Il primo è una logica conseguenza di “I’ll never be the same” dove c’è un brano eseguito in duo con Piero Leveratto, “If you go”, che è stato segnalato dalla critica con particolare attenzione, ritenendolo una piccola gemma. Di qui l’idea di fare un intero CD in duo con questo eccezionale contrabbassista che ha immediatamente accettato la sfida. Ed è stata un’altra esperienza straordinaria: anche in questo caso se non era buona la prima , lo era sicuramente la seconda in quanto l’intesa tra me e Piero si è dimostrata entusiasmante. Ovviamente anche questo album me lo sono finanziato da sola così come il terzo. Al riguardo ho notato una cosa: se i soldi ce li metti tu, nessuno viene a dirti cosa devi o non devi fare. Viceversa se qualcuno investe anche una sola lira, allora si sente in diritto di giudicare, di valutare limitando così le tue scelte artistiche, che invece devono rimanere esclusivamente tue.. almeno io la penso così.”

- Come è nato l’omaggio a Gino Paoli?
“Dai concerti dal vivo che ho fatto con Renato Sellani. In questo caso l’idea è venuta ad entrambi, volevamo avventurarci in un repertorio di song italiane, e abbiamo scelto Paoli proprio perche’ penso che le sue composizioni siano molto vicine, come intenzioni profonde,come modo di raccontare, al jazz e al blues. E così l’abbiamo realizzata dal vivo inserendo anche Dino Piana: io ero rimasta particolarmente colpita da una foto in cui c’erano Piana, Sellani ed Helen Merrill e quindi mi è parso quasi naturale, dovendo fare un album di un certo tipo, chiamare anche Dino Piana. Mi affascinava questa loro antica amicizia. E devo dire che i fatti mi hanno dato ragione: l’apporto del trombonista è di assoluto livello, così come il pianismo raffinato, elegante ed essenziale di Sellani”.

- Quale di questi tre album ti è rimasto particolarmente nel cuore?
“Mah, in una certa misura tutti e tre: certo, il primo è particolare in quanto lo considero la mia nascita artistica, il mio venire alla luce!! Tra l’altro sono stata presa di sorpresa dal piccolo successo che mi è piovuto addosso: recensioni su “Jazz Hot” recensioni su “ Jazz Times ” , su “Musica Jazz” ed io che non sapevo come valorizzare il tutto. Certo il successo è stato soprattutto all’estero in quanto ancora oggi in Italia se canti il repertorio del Songbook Americano, anche il piu’ raffinato e originale negli arrangiamenti, viene bollato come “standards” forse in modo un po’ prevenuto e superficiale, e si fatica un po’ a farsi apprezzare. Ma ripeto, e’ un fatto culturale!!!”

- Tornando all’inizio della nostra conversazione, tu facevi riferimento ad un aspetto virtuosistico del tuo canto che però non si evince dagli album che hai fatto. Qual è il tuo concetto di improvvisazione?
“ Molto dipende ovviamente dal materiale su cui sto improvvisando: se lo faccio su composizioni jazz è una cosa, se improvviso su compositori contemporanei come Bruno Maderna, il quadro cambia completamente: l’uso della voce è completamente diverso”.

- In quale campo ti trovi più a tuo agio?
“ Mi piacciono tutti e due , sia il jazz che la musica contemporanea, ma come ti dicevo la mia ricerca sulla vocalita’ , sta tendendo sempre di piu’ verso la scoperta di nuovi timbri, di nuovi colori espressivi. E’ come se mirassi ad avere una tavolozza di mille colori, con cui poter dipingere la mia improvvisazione. Indubbiamente e’ stata la scoperta di Demetrio Stratos e i suoi studi sulla vocalita’,che mi hanno fatto capire quanto le potenzialita’ della voce siano illimitate”.

- Tu vivi solo di musica?
“Sì: sono una decina d’anni che oramai non faccio altro, dedicando buona parte del mio tempo anche all’insegnamento di tecnica vocale, e rieducazione della voce”.

- Che tipo di soddisfazione trai dall’insegnamento?
“ Sicuramente qualcosa di molto diverso rispetto all’attività di cantante, ai concerti…però devo confessarti che non la considero affatto una attivita’ di ripiego, tirar fuori una voce, costruire una voce, è una soddisfazione davvero grande. E’ un lavoro bellissimo che mi piace tanto”.

- Progetti immediati?
“Ovviamente tanti . Sicuramente mi piacerebbe fare un album con un gruppo più allargato, magari un quintetto o un sestetto, con un repertorio che guardi nuovamente all’estero. E poi c’è un progetto incentrato sulla musica contemporanea, all’insegna dell’improvvisazione più radicale e libera, con il chitarrista Arturo Tallini, un progetto per me assolutamente entusiasmante. Il 9 maggio parteciperemo all’Università di Roma ad un convegno su “ Immagine e suono” e noi improvviseremo estemporaneamente su dei quadri di grandi artisti contemporanei, quali Eva Gebhardt e Alessandro Ferraro; dopo di che sarà fatta una pubblicazione con CD annesso. Sei chiaramente invitato!”

Ci sarò; grazie e a presto!!

A colloquio con l’eccellente chitarrista

Ermanno Maria Signorelli è senza alcun dubbio un personaggio di primissimo piano nel mondo musicale non solo per l’eccellenza della sua musica ma anche per la lucidità e l’estrema intelligenza con cui affronta le problematiche che man mano si pongono. Ne abbiamo un’ulteriore conferma nell’intervista che vi proponiamo qui di seguito.

- Come valuti l'attuale panorama jazzistico internazionale?
A dire il vero mi sembra vivace e stantio nello stesso tempo. Vivace perché accadono molte cose, stantio perchè basta aver fruito degli ultimi vent’anni di jazz per rendersi conto che bene o male sentiamo quasi sempre gli stessi grossi nomi: Jarrett, Steve Coleman, Metheny, Lovano, Scofield, per citarne qualcuno, e che i progetti che portano in giro sono più o meno gli stessi, forse anche per fatti meramente commerciali. Ogni tanto si aggiunge qualche giovane talento, ma che comunque non si discosta, per stile e per modo, poi così tanto.
Trovo che la globalizzazione si stia facendo sentire anche nella musica, compattando tutto in un unico sentire. Da una parte mi sembra cosa buona, così spero cessino quelle insopportabili mode che hanno visto, per esempio, quel “povero martire” di Astor Piazzola e il suo tango in mille salse e intingoli. Mode come lo yoga, il training autogeno, la salsa, il merenghe e chi più ne ha più ne metta, che hanno tentato, inutilmente, di colmare quella pesantezza e crisi di identità tutta europea e occidentale. Dall’altra parte, quasi certamente, credo ci si debba abituare all’idea di un mondo che si esprima in un solo respiro culturale, spero non in una omologazione intesa come mancanza di autenticità e appiattimento.

- Più in particolare, come vedi la situazione del jazz italiano?
Caro Gerlando, non so perché, ma questa tua domanda mi richiama alla memoria, in un tiepido passato quando negli anni ’60 ero bambino, quelle trasmissioni televisive Rai nelle quali il caro amico Franco Cerri, tra una pubblicità e l’altra, si apprestava, in una sorta di didatta-pedagogista, a erudire il popolo italiano verso la musica jazz. Da allora si sono fatti grandi passi in avanti: si è completamente assimilata la cultura americana e il linguaggio jazzistico, e da un po’ di anni a questa parte si è riusciti, per lo meno per alcuni, a dire la “nostra”, e in tal senso a suscitare interesse anche fuori dell’Italia. Approfitto dello spazio che mi dai per togliermi qualche sassolino dalla scarpa e porre l’accento, chiaramente in modo negativo, su quei progetti da tempo in voga che vedono molti bravi musicisti alle prese con rifacimenti e commistioni tra musica jazz e musica leggera. Come in una incapacità di assunzione delle proprie responsabilità, si asseconda e addirittura si aiuta quel mondo che, nel corso degli ultimi 50 anni, si è appropriato di quasi tutti gli spazi culturali del nostro Paese. In una specie di sindrome di Stoccolma, in cui la vittima s’innamora del proprio carnefice, e invece di prendere le opportune distanze, ci si dimentica dei sacrifici fatti e si donano, per quattro soldi, grandi competenze favorendo i vari “nani” della musica. Persone di bassa “statura” culturale, che si vedono conferire lauree “honoris causa”, alcuni addirittura docenti nelle, oramai prive di ogni ritegno e serietà, università italiane, veri e propri emissari di pochezza e mediocrità. Se poi, e concludo, vogliamo guardarci un po’ indietro, con un minimo di dignità, possiamo ripescare nei grandi musicisti, molto più moderni, per scrittura e intuizione, di tanti contemporanei, come Scarlatti, Paisiello, Cimarosa, Rossini, Mascagni e altri. Se ne siamo capaci!

- Secondo Te è possibile parlare di un "jazz italiano"?
Certamente si! In Italia ci sono grandi musicisti e l’arte dell’improvvisazione appare nel nostro Paese da quando il musicista, nel passato, doveva qualificare il proprio intervento durante le celebrazioni liturgiche, e poi basti pensare all’improvvisazione contrappuntistica del barocco, quella romantica e impressionista. Insomma, il jazz inteso come atto improvvisatorio, in Italia è sempre esistito. Desidero menzionare un musicista con cui ho avuto il piacere di studiare una ventina d’anni fa, veramente intelligente, che ha saputo saggiamente coniugare la tradizione jazzistica del “Nuovo mondo” con il grande patrimonio culturale italiano ed europeo: Franco D’Andrea.

- E veniamo a Te, alla Tua musica: come è cambiata nel corso degli anni?
La mia musica è cambiata insieme ai mutamenti avvenuti dentro di me. Il desiderio di appartenenza, la nascita di un figlio e gli affetti che vai via via consolidando, tendono ad aprirti nuovi luoghi espressivi. Luoghi nei quali il pensiero di te stesso lo ritrovi in una piena interazione e continuità con gli altri. Il cambiamento più evidente è stato quando, in una profonda crisi intesa come passaggio evolutivo, la chitarra elettrica mi iniziò a diventare particolarmente stretta e non più tramite ideale, per letteratura, suono e potenzialità, dei miei pensieri più intimi. Il riprendere in mano pienamente la chitarra classica, il cui suono mi ha catturato fin dai primi anni di vita, rappresentava il modo per sentirmi ricollocato, in termini di spazio e tempo, in un contesto storico molto più ampio che mi permettesse di conquistare quel senso di appartenenza e continuità “culturale” che stavo lentamente perdendo.
La mia più grande sfida, attualmente, consiste nel cercare il modo di trovare la giusta collocazione della chitarra classica in dinamiche del nostro tempo, in linguaggi tipici della musica contemporanea applicata alle tecniche peculiari dello strumento classico. In sostanza, mi piace l’idea di suonare brani che vanno dai maestri del ‘500, passando da De Visée, Roncalli, Weiss, e Bach per arrivare a Malipiero, Maderna, Coltrane e Davis.

- Quali sono gli elementi che maggiormente hanno concorso a determinarla così com'è oggi?
L’elemento fondamentale è stato l’aver attuato concretamente un progetto musicale in acustico.
Questa ricerca comanda di metterti completamente in gioco in una logica scevra da elementi artificiali, come l’utilizzo dell’elettronica da me già in passato sperimentata. Ti apre spazi espressivi nei quali si può riuscire a dare forma ai silenzi che paradossalmente possono diventare, superando il primato del suono, in una moltiplicazione di reazioni emotive, l’elemento dominante del discorso.

- Quanto ami "raccontarti " in musica?
Mi racconto totalmente attraverso la musica che faccio, e la cosa sorprendente è che le mie composizioni mi aiutano a capire me stesso. E’ una sorta di staffetta in cui il testimone, le mie emozioni, passano alla musica e arrivano fuori. Il risultato è preciso e determinato nonostante costituisca la sommatoria di contraddizioni, paure, tormenti che caratterizzano me e probabilmente qualsiasi altro individuo. “Dove tutti urlano non c’è voce che basti per farsi sentire” (F. Costantini), forse l’unico modo per raccontare se stessi e per farsi ascoltare è la musica.

- Quanto ha influito sulla tua formazione di musicista l'essere meridionale e napoletano?
Le mie origini hanno certamente, in parte, influito sulla mia formazione, entrando in contatto, però, con altri punti di vista culturali. Avendo vissuto in Francia, a Milano e attualmente a Padova, ho avviato un processo di interiorizzazione di più elementi culturali che si sono combinati in una sintesi a me confacente e positiva. Credo, altresì, che l’essere di origine partenopea abbia influito sulla mia scrittura musicale, dove presto particolare attenzione al senso melodico, forse grande eredità del melodramma italiano e della canzone napoletana, in modo diretto. Caro Gerlando, ti confesso, e mi scuso per la sfrontatezza, che mi mancano molto i “friarielli” che fanno tanto bene al palato e allo spirito.

- Qual è la "collaborazione" che ricordi più volentieri?
La collaborazione che più mi ha emozionato e che ancora oggi ricordo piacevolmente è stata quella con Reggie Workman, con cui ho tenuto alcuni concerti negli anni 80 nella ex Yugoslavia. La cosa che più mi colpiva era suonare con il contrabbassista che aveva inciso, nel 1961, con il quartetto di Coltrane l’album “Impressions” insieme a McCoy Tyner ed Elvin Jones. Incredibilmente, stavo partecipando ad una performance con un musicista, particolarmente trainante, che veramente aveva vissuto il periodo, capitanato da John Coltrane, in cui il jazz determinava la forte rottura con il passato dirigendosi verso l’improvvisazione modale. Periodo storico, non direttamente vissuto dalla mia generazione, ma solamente ereditato come bene dal passato.

- E' corretto affermare che soprattutto nel tuo ultimo lavoro discografico
"3" si avverte ben presente il richiamo alle concezioni di Bill Evans?
Questo accostamento è in parte corretto, in quanto alcuni brani del mio ultimo lavoro discografico, per esempio “Trieste”, ricordano la compostezza formale, quasi in punta di piedi, delle composizioni in 3/4 di Bill Evans. Tuttavia, credo che la grandezza di questo musicista non sia tanto nella gestione rivoluzionaria del trio, invasa da grandi oscillazioni di dinamica, ma quanto nella profonda ricerca armonica particolarmente originale che possiamo ritrovare nelle sue composizioni.
Nel micro-cosmo in cui mi muovo e, quindi già lusingato di questo avvicinamento al grande Bill Evans, ritengo che la mia musica si manifesti in un concetto meno formale e più istintivo, come in un mantice che in apertura e chiusura crei continue oscillazioni istantanee sensitive.

- Cosa c'è nel futuro di Ermanno Maria Signorelli?
C’è un grande desiderio di suonare perché, finalmente, da pochi anni a questa parte, ho capito con chiarezza e consapevolezza a quale ruolo di “narratore” sono chiamato a rispondere.
Voglio pensare che sia una grande responsabilità, perché nel momento in cui chi ti ascolta ed entra in forte sintonia con te fino ad emozionarsi, è come se si facesse prendere per mano e portare in aree espressive di pura gratuità, dimenticandosi per un istante di essere spettatore e vivendo da protagonista quello che si sta facendo. E questo per me è un grande valore.
In un futuro vicino, vorrei, insieme ad Ares Tavolazzi e Lele Barbieri, registrare un nuovo cd. C’è l’idea di vederci a casa mia, visto che ora vivo in una zona tranquilla di campagna, per passare qualche giorno insieme e pensare a quale direzione musicale si intenda prendere.
Nel frattempo stiamo portando in giro per l’Italia il nostro ultimo lavoro “3” che è il frutto di anni di concerti e di una grande voglia di stare assieme.
In cantiere ho anche un progetto molto ambizioso, un cd di chitarra solo, e in questo l’etichetta “Blue Serge” con cui lavoro, nella figura di Sergio Cossu, sta spingendo da tempo.