Da questo numero

“A proposito di Jazz”

si avvale della preziosa collaborazione

di Daniela Floris

Anche il mondo del jazz si mobilita a favore delle vittime del terremoto in Abruzzo.
Così la Casa del Jazz di Roma ha devoluto a tal fine l’intero incasso del concerto del Mmyron Walden/Aruan Ortiz Quartet svoltosi venerdi 10 aprile.
Sempre il 10 l’Auditorium Parco della Musica di Roma ha partecipato alla giornata di lutto nazionale sospendendo tutte le attività culturali e gli spettacoli a partire dalle ore 18.
Dal canto loro i jazzisti friulani si sono mobilitati organizzando per il 14 scorso “Pordenone Jazz for Abruzzo” una serata di solidarietà con le vittime del terremoto.
Infine la onlus ISMEZ (Istituto Nazionale per lo Sviluppo Musicale del Mezzogiorno) sta promuovendo una raccolta di fondi per aiutare i musicisti (Orchestra Sinfonica Abruzzese e “I solisti aquilani”) che a causa del terremoto hanno perso tutto, strumenti compresi.

Venerdì 17 aprile alla Casa del Jazz di Roma
Ospite speciale Gianluigi Trovesi

Venerdi 17 aprile 2009 alla Casa del Jazz si terrà il concerto di presentazione del nuovo Cd “Spartenza” (ed. Incipit, distr. Egea) dell’ensemble Sinenomine con ospite speciale Gianluigi Trovesi

“Etnia Immaginaria” l’unica definizione possibile per il percorso musicale di Sinenomine, ensemble che ha fatto della ricerca sulla musica popolare, sul suono e sulla vocalità il proprio vessillo: musiche meticcie e migranti che attraverso una riscrittura e rilettura musicale, guidano l’ ascoltatore in luoghi e tempi sospesi, come a cercare nuove possibili geografie sonore.
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Un unico strumento per la musica contemporanea a Roma

Su iniziativa dell'Assessorato alle Politiche Culturali del Comune di Roma, per la prima volta cinque tra le maggiori istituzioni musicali della città danno vita insieme, scambiandosi conoscenze e informazioni, a Roma Musica Nuova, una sorta di iper stagione che offre uno spazio senza precedenti alla "musica del nostro tempo": circa quaranta concerti, da gennaio a giugno, che raccolgono alcune delle esperienze più avanzate della produzione musicale contemporanea e dei suoi "infiniti dialoghi" con le altre arti. Una offerta musicale di alto profilo, insomma, che mette Roma alla pari con le grandi capitali europee della contemporaneità: Londra, Parigi, Berlino, Amsterdam. Continua...

di Daniela Floris

E’ di moda, oggi, parlare di “contaminazioni” tra generi musicali. Se ne parla talmente tanto che questo termine viene oramai quasi inconsapevolmente e automaticamente adoperato ogni qual volta sembra di poter recepire “tracce” di un linguaggio sonoro inserite in contesto “altro”. Dopo di che si liquida il concetto, che appare “finito”, “completo”, e come tale “esplicativo” in se stesso. Ad una valutazione attenta invece la contaminazione e’ l’ effetto, la parte ultima, di un processo di interazione tra culture. Questa interazione da’ vita a tale commistione e spesso porta alla nascita di un nuovo genere musicale.
Se si decide di capire il perché, o almeno il come, avvenga una “contaminazione”, occorre dunque orientarsi attraverso vari livelli di conoscenza, come è accaduto alla Casa del jazz con le “guide all’ascolto” curate da Gerlando Gatto, guide che tendono a farci scoprire una sorta di filo rosso che lega tra loro le varie “musiche”. Il 6 aprile si è concluso, xon l’oramai consueto successo di pubblico, l’ultimo di questi cicli significativamente intitolato “Jazz ai Caraibi, ovvero non solo salsa e merengue”. Continua...

Venerdì 17 e sabato 18 aprile il magnifico sax di Scott Hamilton sarà sul palco di via gregoriana per un week end che non scorderete facilmente. Il celebre musicista statunitense sarà accompagnato Luca Velotti alla guida di quella che non può certo essere chiamata semplicemente una sezione ritmica ma un vero combo degno di esibirsi con un tale mostro sacro del sax, vale a dire Mauro Battisti al contrabbasso e Carlo Battisti alla batteria,
Inoltre, come è consuetudine del club romano, anche questo mese ogni domenica si esibirà il “Red Pellini Roaring The Twenties” con Fabiano Pellini - Sax Baritono, Adriano Urso – Piano e Lucio Turco – Batteria.

Prosegue intensa l’attività dell’Auditorium Parco della Musica di Roma.

Così questa sera (mercoledì 15 aprile) Teresa Salgueiro si ripresenta al pubblico romano dopo essere stata ospite nel 2005 della rassegna Luglio Suona Bene come voce del gruppo Madredeus. La grande cantante presenterà al pubblico il suo nuovo disco da solista intitolato Matriz e uscito il 30 marzo scorso. Matriz è il risultato di una lunga ricerca della cantante sulla musica e sulla cultura portoghese, un viaggio attraverso i ritmi e le melodie della che parte dalla musica antica portoghese del secolo XII e XVI, passa per le composizioni di musica popolare raccolte dal compositore Michel Giacometti e arriva alle composizioni contemporanee di Fernando Lopes-Graça e ai celebri temi di fado portoghese di Carlos Paredes e Fausto. I brani saranno riproposti negli arrangiamenti originali di Jorge Varrecoso Gonçalves, direttore artistico e musicale del progetto, con il rinnovato Lusitânia Ensemble. Continua...

Gino Castaldo – “Il buio, il fuoco, il desiderio” – Einaudi – pgg.155 - € 11,50
Volume sicuramente interessante e stimolante, anche se non del tutto condivisibile, questo “Il buio, il fuoco, il desiderio” di Gino Castaldo.
Ricco di citazioni, dotti riferimenti, collegamenti arditi ma pertinenti, il libro si presta a diverse chiavi di lettura.
Sul piano squisitamente stilistico, la prosa è avvincente, dotta, non priva di terminologia ricercata, segno evidente della eccellente preparazione dell’autore, cosa che non stupisce chi segue seppure distrattamente le vicende musicali del nostro Paese.
Egualmente non stupisce il nesso che l’autore riesce a trovare tra i diversi generi musicali a conferma di una cultura musicale ampia ed esaustiva.
E così la lettura scorre rapida, piacevole, a tratti addirittura entusiasmante dalla prima all’ultima pagina…solo che giunti alla fine, ci si pone fatalmente qualche domanda: entro quali limiti è condivisibile la tesi di Castaldo secondo cui la musica è morta?
Secondo l’autore, in effetti, mentre il mondo è in qualche modo andato avanti, si è globalizzato, la musica non si è evoluta, è un organismo oramai agonizzante non essendo riuscita ad interpretare validamente la realtà odierna cosicché il nostro tempo non ha ancora la sua colonna sonora.
Insomma siamo all’ennesimo grido di dolore, all’ennesimo intellettuale che si iscrive alla oramai interminabile lista dei catastrofisti. E , conseguentemente, non può mancare l’indicazione del colpevole, di quell’elemento cui si attribuiscono oramai tutto i mali del mondo: IL MERCATO. L’intuizione di Huxley - scrive Castaldo – “su un mondo dove la dittatura, invincibile, è data dal benessere artificiale, si è dimostrata esatta…Nessuna dittatura esplicita può durare a tempo indeterminato, Quella del piacere sì, la droga del mercato libero non sembra avere in sé i germi della sua autodistruzione. Ma il prezzo da pagare è il sonno della coscienza”.
Ora, a parte l’ovvia considerazione che nella storia della musica, eccezion fatta per la musica popolare, i tanti capolavori non sono nati certi dallo splendido isolamento dell’artista quanto, spesso, dal prestare lo stesso la sua opera al servizio del potente di turno, quale sarebbe,oggi, il contesto socio-economico ideale per lo sviluppo della musica ? Castaldo forse lo lascia intuire ma non lo indica…e bene fa in quanto a nostro avviso è un problema che non contiene risposte accettabili se non quelle guidate dal pregiudizio e da tesi preconfezionate.
C’è, infine, un’ultima riflessione: ma Gino Castaldo non è forse quello stesso Castaldo che da tanti anni fa parte di una delle corazzate del giornalismo europeo, di uno dei quotidiani più influenti e non solo a livello nazionale? Ebbene , da una così importante e potente struttura “culturale”, cosa ha fatto Castaldo perché ciò che denuncia non accadesse?

Laura Pigozzi – “A nuda voce” – Antigone edizioni – pgg.234 - € 16,00
Per chi si occupa di musica l’importanza della voce è cosa assolutamente scontata, ma, ne siamo certi, ben pochi si saranno soffermati su cosa la voce significhi nel vissuto di ciascuno di noi, di quanto e di come la nostra voce ci rappresenti nel rapporto prima di tutto con noi stessi e poi con gli altri.
Di questa affascinante tematica si occupa Laura Pigozzi in questo volume che si raccomanda ad una lettura attenta e curiosa.
Esponente del Movimento Psicanalitico “Nodi Freudiani” e lei stessa cantante di jazz, la Pigozzi esplora con dovizia di particolari temi come l’ascolto, il timbro, il ritmo, l’intonazione, l’improvvisazione jazzistica, il tutto rivisitato alla luce di una chiave psicoanalitica che schiude orizzonti di un interesse inaspettato.
Ad esempio di estremo interesse è tutta quella parte del volume in cui l’Autrice spiega come la voce sia in realtà una sorta di impronta indelebile che pur non appartenendoci del tutto delinea tuttavia la nostra personalità. Di qui l’importanza, proprio nella strutturazione del nostro essere, delle voci materne e paterne dal momento che sono proprio queste ad inserire “precocissimamente il bambino in un ordine che non è solo naturale ma anche affettivo e culturale, fondato sulla tonalità delle modulazioni vocali e sull’accento linguistico del gruppo culturale di cui i genitori fanno parte”.
Altrettanto stimolanti le numerose pagine dedicate al perché della balbuzie, del silenzio degli autistici, al rapporto tra voce e godimento femminile, godimento “altro” , supplementare rispetto a quello fallico, maschile.
E così, leggendo le teorie della Pigozzi, si scoprono verità spesso solo intuite ma cui , non avendo a disposizione gli strumenti adatti , era sostanzialmente impossibile fornire logiche spiegazioni.
Insomma ,una tantum, un volume davvero interessante in quanto ci conduce per mano ad un mondo a noi vicinissimo ma spesso del tutto sconosciuto.

Cyminology – “As Ney” - Ecm 2084
La carismatica vocalist tedesca di origini iraniane Cymin Samawatie è a capo di questo quartetto che fa il suo debutto su ECM.
Si tratta di una formazione multietnica dal momento che, oltre alla cantante, ne fanno parte il pianista francese Benedikt Jahnel, il contrabbassista tedesco Ralf Schwarz e il batterista e percussionista indiano Ketan Bhatti.
Comunque a dettare le atmosfere del tutto originali dell’esecuzione è la Samawatie che non si è limitata a scrivere quasi tutta la musica e buona parte dei testi in concomitanza con la poetessa Forough Farrokhäz, ma ha deciso anche di cantare in farsi. Così la melodia e la tessitura proprie della lingua persiana esercitano una sottile presa sulle modalità espressive del quartetto che riesce a bilanciare assai bene parti scritte e improvvisazione.
Sottolineate le non poche qualità del gruppo, resta da dire che alla fine dell’ascolto si rimane quasi in attesa di qualcosa che purtroppo non arriva, come se – in altri termini – Samawatie e compagni non fossero stati in grado di esprimersi compiutamente.

Keith Jarrett – “Yesterdays” – Ecm 2060
Se non andiamo errati, questo dovrebbe essere il ventesimo disco del trio di Jarrett, Peacock e De Johnette inciso nell’aprile del 2001, stesso mese di “Always Let Me Go”e stesso anno di “The Out-of-Towners” e “My Foolish Heart”.
Ciò premesso, bisogna immediatamente aggiungere che anche quest’album si iscrive nell’oramai lunga lista di capolavori firmata Jarrett & C. Ancora una volta “il Trio delle meraviglie” riesce ad esprimersi su livelli di assoluta eccellenza evidenziando quelle doti che ne hanno fatto una delle migliori formazioni della storia del jazz, vale a dire uno straordinario interplay, un raffinato gusto melodico-armonico, la capacità di swingare in totale rilassatezza, per l’evidente gioia di chi suona e di chi ascolta.
Il repertorio, come al solito, comprende celebrati standard tra cui “Scrapple from the Apple” di Parker, “Shaw’nuff” di Gillespie, “Strollin’” di Horace Silver tratti dal repertorio bop, due ballad di Jerome Kern (“Yesterdays” e “Smoke Gets In Your Eyes”), e una sorta di regalo finale costituito da “Stella by Starlight” registrato durante il soundcheck, quindi senza pubblico, con i commenti dei musicisti colti al volo.

Ray Gelato – “Salutes the great entertaines” – DSRG 06
di Daniela Floris
Se e’ vero, come e’ vero, che la musica ha valenze multiformi a secondo del tipo di fruizione e/o allo scopo alla quale tende, e’ anche vero che giudicare la qualità di un lavoro musicale ha senso solo se si scardinano, preventivamente, valori “assoluti” ai quali la si vorrebbe, istintivamente, paragonare.
E’ una premessa fondamentale questa per capire e alla fine, apprezzare questo cd: l’ appassionato di jazz, e di swing, infatti lo deve inquadrare (e d’ altronde il titolo stesso e’ esplicito) nell’ intrattenimento puro: divertente, coinvolgente, “ballereccio”. Rimossa la tentazione di cercare l’ ispirazione, la novità, la benché minima sperimentazione, ci si rilassa e si ascolta piacevolmente uno swing di bella fattura, con tutte le caratteristiche delle big band che ben conosciamo (un po’ di Cab Calloway, un po’ di Benny Goodman, e via dicendo), applicate anche agli unici due pezzi originali presenti nel cd, che per il resto e’ fatto di esecuzioni di brani notissimi quali “Night and Day” o “Flyin’ Home” . Gli ingredienti ci sono tutti: il “walkin’ bass”, le entrate dei fiati sincopate sul secondo e terzo tempo della battuta, gli “stop time”, la batteria swingante , la voce molto “italoamericana” , un po’ melodica alla “Dean Martin” , un po’ gradevolmente spaccona, le dinamiche dei fiati da manuale della perfetta brass band. Che si balli e che ci si diverta, dunque, con buona musica, perché questo e’ il fine di questo “new swing”, anche se di nuovo non si trova molto: ma alla fine, date le premesse evidenziate prima, non importa.
L’ unica considerazione aggiuntiva da fare è che, se è vera l’ ammirazione che nutre Ray Gelato (inglese figlio di italoamericano) per il nostro Fred Buscaglione, si è costretti a notare che manca nel primo quella creatività ironica del secondo, che con lo swing, tanto amato, giocava più che replicarlo, in maniera meno reverenziale ma forse anche meno pedissequa.

Angelo Adamo – “My foolish harp” – Red Records 123314-2
di Daniela Floris
Il risultato di un lavoro artistico dipende molto probabilmente dal rapporto che si crea tra l’ artista e colui che quel lavoro ascolta. Se l’ artista decide di abbandonarsi alla musica che ama, senza porsi il problema di stupire, di essere ingegneristicamente nuovo, spesso accade che si rimanga stupiti da un’ originalità vera e per nulla ingegneristica ne’ composta da trovate giustapposte che hanno un fine “altro” da quello realmente artistico e musicale: che non e’ solo estetico, ma espressivo di emozioni, o sentimenti, in quanto linguaggio.
Questa “sincerità” artistica sembra emergere in questo bel cd di Angelo Adamo: chi ascolta, solo per poco si adagia piacevolmente in quella tranquillizzante sensazione del bello a lui noto. Perché poi viene sorpreso dal dialogo tra la elegante tromba di Bosso (sempre più bravo) e l’ armonica cromatica di Adamo, che fraseggia in un mood trombettistico in “Bel Bottom”; oppure dalla sonorità inconsueta della stessa armonica nel registro basso in “My foolish heart” ; o dall’ affascinante, poiché quasi anacronistico in questo contesto jazzistico, suono puro del bass recorder di Gianluca Barbaro in “Apple Juice” e in “Blue in green” ( intimo e lirico anche per merito della chitarra di Di Leone); o dal blues “La mela di Carmela” , che consente di divertirsi improvvisando (con la batteria di Minetto che crea e non solo sottolinea) ; o anche dal solo di basso in “Nardis” di Bassi; o dalle due versioni, maschile e femminile di “My one and only love” in cui le voci di Arnesano e Geremicca sono raffinate ma intense; o dal sax soprano di Ottaviano in “Mizzy il gatto” che dialoga insieme all’ armonica con una divertente naturalezza in un ambito armonico indefinito, come se indefinito non fosse.
Per questo l’ armonica a bocca di Adamo sembra tutt’ altro che insensata o sciocca: il gioco di parole che da’ il titolo al suo cd si accetta solo se si suppone generato da un’ ammiccante civetteria.

Enrico Intra – “Liebman meets Intra” – Alfa Music AFMCD133
Ecco uno accanto all’altro due musicisti che, nei rispettivi ambiti, rappresentano punte di eccellenza: il sassofonista David Liebman è giustamente considerato uno dei massimi “specialisti” del sassofono soprano essendo stato uno dei non molti musicisti ad aver saputo interiorizzare talmente bene il linguaggio coltraniano da reinventarne uno proprio; dal canto suo il pianista Enrico Intra si è sempre distinto per la capacità di concepire il piano jazz in modo assolutamente originale, fedele ad una visione che mal sopporta la divisione in generi e rigidi schematismi.
Se a questi due talenti aggiungete un batterista e un bassista di classe quali Tony Arco e Marco Vaggi avrete una formazione di grande impatto che vi offrirà musica appassionante e mai scontata.
In effetti i due leaders duettano con grande empatia, misurandosi su un repertorio scritto totalmente da Intra e che Liebman mostra di apprezzare senza riserve. Così assistiamo ad un susseguirsi di situazioni mai ripetitive in cui i due evidenziano cosa possa significare , nella realtà di oggi, improvvisare guardando avanti senza rinnegare il passato.

Flora Faja – “Italian songs” – Revelation series 27 W440
di Daniela Floris
Quando una brava cantante decide, insieme a validissimi musicisti, di affrontare canzoni famose (in questo italiane) ci si aspetta di quelle una reinterpretazione anche personalissima, ma in una chiave a loro contestuale: o dal punto di vista di atmosfera, o dal punto di vista emozionale, o da quello della collocazione di quelle nel loro contesto storico, per poi discostarsene e in corso d’ opera rileggerle artisticamente. L’ operazione di Flora Faja, e di Giovanni Mazzarino e’ diversa. In questo caso si decontestualizza da subito il tema melodico originale, lo si estrapola dal suo contesto, e così come e’ lo si assurge a “valore assoluto” inserendolo in contesti armonici e ritmici completamente nuovi, moderni, ed “altri”. La reinterpretazione, la variante, e’ demandata al tessuto strumentale sottostante e circostante. Il compito della bella voce di Flora Faja e’ quello di tenere graniticamente in vita la melodia originaria, senza dare spazio all’ improvvisazione se non in maniera minima, facendosi forte a questo scopo di una vocalità dritta, sicura, con poco indugiare sulle dinamiche, che “resista” insomma, come una roccia contro la mareggiata, alle sollecitazioni modernissime dell’ arrangiamento.
Il risultato e’ un lavoro stilistico elegante, raffinato, anche nelle composizioni originali (“Il colore che non so” e “Primavera sarà, nonché i “raccordi” tra i vari brani); l’ apporto prezioso di Bosso e Cafiso e’ strettamente jazzistico, poiché, non dovendosi attenere al tema melodico ( presente nella voce e dunque non bisognoso di “doverose” reminiscenze) , improvvisano sul tessuto squisitamente strumentale ed armonico dell’ arrangiamento, che diventa una composizione “ex novo”.
E’ interessante notare come nel brano “la Gatta” in un certo senso si svolga un processo quasi inverso a quello sopra descritto. Curiosamente qui la decontestualizzazione melodica lascia spazio invece ad una contestualizzazione profonda del testo, che, nell’ originale di Paoli ha una componente “nostalgica” non corrispondente allo scanzonato giro armonico e ritmico che lo racchiude: l’ atmosfera poetica dunque diventa l’ ispirazione per una morbida “ballad” , che intona sorprendentemente le parti musicale e testuale.
Bravissimi tutti i musicisti, bello il tocco mediterraneo dato dalla fisarmonica di Mascellino in “Donna sei tu”, aggancio piacevole all’ origine di molti degli artisti impegnati in questo cd. Piace notare come, paradossalmente, questo lavoro riesca a prendere le distanze dall’ “italianita’” delle canzoni interessate mantenendo intatta proprio la parte melodica che le rendeva, a sua volta, inconfutabilmente molto “italiane”.

Guitto Gargle – “Guitto Gargle” – Nu Bop cd 06
Ecco un altro debutto discografico: i “Guitto Gargle” si sono costituiti nel 2006 a seguito dell’esperienza dei seminari di Sant’Anna Arresi e giungono al loro primo album grazie alla piccola ma valorosa Nu Bop Records di Achille Silipo.
Il gruppo è una sorta di “multi regionale italica” comprendendo una senese (Silvia Bolognesi al contrabbasso) , un veneziano (Piero Bittolo Bon sax, flauto e clarinetto), un cagliaritano (Simone Schirru chitarra) , un romano (Alberto Fiori pianoforte) e un palermitano (Simone Sfameli batteria).
Il quintetto si muove lungo direttrici non originalissime seppur coinvolgenti grazie da un lato alla preparazione tecnica dei singoli, dall’altro alla capacità compositiva di tutti e cinque i musicisti che propongono brani ben strutturati e altrettanto ben arrangiati in cui si intersecano le influenze più diverse, da Braxton a Steve Coleman fino al progressive rock. Il tutto filtrato da una eccellente capacità di portare ad unicum linguaggi così differenti.

ZOE’S PROJECT TRIO
&
SWING BOX BIG BAND
di Emanuele Dimundo

L’Associazione INJAZZ, ente di promozione della cultura afroamericana, in collaborazione con l’Amministrazione Comunale di Bitonto, nell’ambito dell’XI edizione della Settimana della Cultura, presenta Beat Onto Jazz Special, un inedito doppio concerto che vedrà protagonisti il funambolico Zoe’s Project Trio e, di seguito, la trascinante Swing Box Big Band di Emanuele Dimundo.
L’evento si terrà sabato 25 aprile con inizio alle ore 21,00 presso lo storico Teatro Traetta di Bitonto. Continua...

Domenica 19 aprile con “Tango Fugato Quartet”

Domenica 19 aprile all’Alexanderplatz di Roma concerto del pianista Francesco Venerucci con “Tango Fugato Quartet” completato da Michele Rabbia alle percussioni, Marco Siniscalco alla chitarra e Gianni Iorio al bandoneon.
Il quartetto si è imposto alla generale attenzione grazie alla sua capacità di coniugare in chiave jazzistica le intramontabili suggestioni del tango argentino, potendo contare sia sul grande interplay instauratosi fra i quattro, sia sulla superiore preparazione tecnico-stilistica degli stessi.